greenroom.work

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	<title>greenroom.work</title>
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	<pubDate>Thu, 30 Mar 2023 07:02:12 +0000</pubDate>
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		<title>Home Image Scroll</title>
				
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		<pubDate>Fri, 20 Dec 2019 05:47:05 +0000</pubDate>

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		<title>[Intro]greenroom</title>
				
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		<pubDate>Fri, 20 Dec 2019 05:47:07 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;greenroom&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


greenroom is an online curatorial research platform that focuses on the medium of performance and its performative realm, derived from the contemporary arts. Founded in April 2019 by four art practitioners Kim Junghyun, Nayun Jang, Sunmi Yong, and Bora Kim from S. Korea, it aims to build a virtual community and alternative collective on the web as transcending the limit of physical and material boundaries. Reifying ideas in close collaboration with artists and thinkers, greenroom initiates various activities centering on discourses/practices that emerge from the performance. * The skin image of this website (28th Dec. 2019~) is from the note of Nohwa (2018~), the artist &#38;nbsp;


Hyun A’s&#38;nbsp;ongoing project (curated by Kim Junghyun).


그린룸은 큐레토리얼 연구와 창작을 위한 온라인 플랫폼으로, 2019년 서울, 뉴욕, 런던의 비평가, 큐레이터, 연구자, 그래픽디자이너가 협력하여 만들었다. 동시대 퍼포먼스 예술에 관한 공통의 관심사를 바탕으로 큐레토리얼 방법, 수행적 비평, 예술과 사회의 매개를 모색한다. 물리적 거리 및 시간과 속도의 차이에서 비롯되는 한계를 대화와 기록의 근거로 삼아 예술가들과 교류하며 다양한 지역과 문화에 개입하는 예술적 실천을 추구한다. 

* 홈페이지(2019.12.28~) 스킨은 현아 작가의 《노와》(2018~) 프로젝트(김정현 기획)의 노트에서 빌렸습니다.


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		<title>[Event] Dec 2019 Seoul</title>
				
		<link>https://greenroom.work/Event-Dec-2019-Seoul</link>

		<pubDate>Fri, 27 Dec 2019 13:22:33 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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[Event] 그린룸 greenroom 28th Dec. 2019, Seoul
KR/EN


&#60;img width="3333" height="3333" width_o="3333" height_o="3333" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/919374a5158a4a9ca4e3097a013d08568479976ac8dd09f6a378ad8da54489ad/gr_ins_191220_01.jpg" data-mid="57280411" border="0" data-scale="77" src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/919374a5158a4a9ca4e3097a013d08568479976ac8dd09f6a378ad8da54489ad/gr_ins_191220_01.jpg" /&#62;

&#38;nbsp;그린룸&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


2019.12.28. Sat. 13:00-17:00
WESS 서울시 성북구 창경궁로 320 2층


참여 작가: 로템 타샤크, 서영란, 앵 보, 이민경, 정나영, 채연 
기획·제작: 그린룸 (김정현 용선미 장나윤)
그래픽디자인: 그린룸 (김보라)


편집: 그린룸 (김정현)


후원: 서울문화재단


그린룸은 큐레토리얼 연구와 창작을 위한 온라인 플랫폼으로, 2019년 서울, 뉴욕, 런던의 비평가, 큐레이터, 연구자, 그래픽디자이너가 협력하여 만들었다. 동시대 퍼포먼스 예술에 관한 공통의 관심사를 바탕으로 큐레토리얼 방법, 수행적 비평, 예술과 사회의 매개를 모색한다. 물리적 거리 및 시간과 속도의 차이에서 비롯되는 한계를 대화와 기록의 근거로 삼아 예술가들과 교류하며 다양한 지역과 문화에 개입하는 예술적 실천을 추구한다.


2019년 첫 번째 프로젝트로 네 편의 영상 퍼포먼스를 제작하고 두 편의 글을 기획 편집했다. 이스라엘 출신의 안무가 로템 타샤크는 대도시 뉴욕에서 사람들의 움직임을 관찰하여 분석한 글과 렉처 퍼포먼스 &#38;lt;정상(正常)의 광경들&#38;gt;을 선보인다. 베트남 출신의 안무가이자 포르노 연구자인 앵 보의 뮤직비디오 &#38;lt;넌-바이너리 푸씨&#38;gt;는 젠더, 인종적 소수자로서 겪은 뉴욕에서의 삶을 포르노그라피 형식의 이미지와 음악으로 유쾌하게 풀어낸다. 몇 년 전 수도원 잠입 프로젝트를 감행했던 이민경은 &#38;lt;사야도와 나&#38;gt;에서 수도자의 일상과 깨달음의 경험을 포개고 선문답과 구전동화를 중첩시킨다. 런던을 중심으로 활동하는 정나영은 &#38;lt;기억의 전환&#38;gt;에서 영국의 반 자발적 이주민 2세대의 언어화된 기억 이면의 감정과 잔상을 점토 형상으로 포착한다.


리서처이자 안무가인 서영란은 「편지 다시보기: 플로팅 보틀 프로젝트(2016~)」에서 각각 일본과 스리랑카의 퍼포먼스 작가인 나츠코 테츠카, 베누리 페레라와의 공동 연구를 소개하며 전통의 관념과 서구식 근대화에 관한 사유의 궤적을 공유한다. 미술 저널리스트이자 큐레이터인 채연의 「광주비엔날레와 루앙루파, 미래를 내다보는 다른 시선 둘」은 2018년 광주비엔날레의 루앙루파 프로젝트에 참여했던 경험을 바탕으로 동시대 미술에서 콜렉티브의 작동 조건에 관해 고찰한다. 연말연시에 오픈 예정인 그린룸 홈페이지는 프로젝트 기록과 함께 퍼포먼스 연구와 비평의 공간이 된다.


PART 1. 스크리닝+토크
정나영 &#38;lt;기억의 전환&#38;gt;(2019)
이민경 &#38;lt;사야도와 나&#38;gt;(2019)


PART 2. 발제+토론
서영란 「편지 다시보기: 플로팅 보틀 프로젝트(2016~)」, 2019
채연 「광주비엔날레와 루앙루파, 미래를 내다보는 다른 시선 둘」, 2019
PART 3. 스크리닝/스트리밍+토크
로템 타샤크 &#38;lt;정상(正常)의 광경들&#38;gt;(2019)
앵 보 &#38;lt;넌-바이너리 푸씨&#38;gt;(2019)


	greenroom
2019.12.28. Sat. 13:00-17:00WESS (2F, 320, Changgyeonggung-ro, 
Seongbuk-gu, Seoul, Republic of Korea)
Artists and Contributors: 
Rotem Tashach, Yeong-Ran Suh, Anh Vo, 
Min Kyoung Lee, Nayoung Jeong, Tiffany Yeon Chae


Curated and Produced by greenroom (Kim Junghyun, Sunmi Yong, Nayun Jang)
Graphic design: greenroom (Bora Kim)
Editing: greenroom (Kim Junghyun)Funded by Seoul Foundation for Arts and Culture
greenroom is an online curatorial research collective focusing on the medium of performance within and/or beyond the context of contemporary arts. Founded in April 2019 by four art practitioners Kim Junghyun, Nayun Jang, Sunmi Yong, and Bora Kim from S. Korea, each located in Seoul, London, and New York, it aims to build a virtual community and alternative platform on the web, transcending the limit of physical and material boundaries. Reifying ideas in close collaboration with artists and thinkers, greenroom initiates various activities centered on discourses/practices that emerge from the performance.


As an inaugural attempt sparked in 2019, greenroom has produced four film-performances and two writings together with six collaborators/participants. At its first offsite presentation, an Israeli choreographer Rotem Tashach will present a lecture-performance via a video call based on his essay Spectacles of Normalcy, an analysis of quotidian movements that are spotted across the city of New York in places like a corridor, gym, subway, swimming pool, street, etc. A Vietnamese choreographer and theorist Anh Vo’s Non-Binary Pussy, weaving the story of their (his) racial-gender minoritarian self in the US with a pornographic scope, will invite the audiences into the scene of his satirical but witty music performance. In Sayadaw and I, Min Kyoung Lee, who had carried out the Operation Enlightenment - a radical ethnology into the seekers' world, will depict the daily life and insight of a monk, overlapping a Zen riddle and old fable. Nayoung Jeong, who works and lives in London, will unveil her performance video Shifting Memory into Clay. To explore the memories of second-generation immigrants living in the UK, she exteriorizes the participants' stories stacked up with untranslatable emotions and residues and transforms each of them, simultaneously on-site, into a clay object. 

A researcher and choreographer Yeong-Ran Suh will introduce her collaborative work Floating Bottle Project that she has been co-developing with two other performance artists Natsuko Tezuka from Japan and Venuri Perera from Srilanka. Throughout the process, they probe into, by sharing a long thread of thoughts, the notion of tradition and western modernism. An art journalist and curator Tiffany Yeon Chae will talk about the conditions required for art collective in contemporary arts by sharing her experience of participating in ruangrupa’s project, organized for Gwangju Biennale 2018.

greenroom’s homepage, which will be opened to the public at the end of this year, will further perform as a gathering space for active research and critical practice as augmenting its own archival materials animated by an array of collective thinking.


PART 1. Screening + Talk Nayoung Jeong, Shifting Memory into Clay, 2019
Min Kyoung Lee, Sayadaw and I, 2019


PART 2. Presentation + Discussion Yeong-Ran Suh, Unpacking the letters: Floating Bottle Projects (2016~), 2019Tiffany Yeon Chae, Gwangju Biennale and ruangrupa, two different eyes foreseeing the future, 2019
PART 3. Screening/Streaming + Talk Rotem Tashach, Spectacles of Normalcy, 2019Anh Vo, Non-binary Pussy, 2019
&#60;img width="3620" height="3024" width_o="3620" height_o="3024" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/775d879974a5053e0dc1f7c763ff723119343b438bb8eece4765ad018ba89564/IMG_5440_2.jpg" data-mid="59978879" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/775d879974a5053e0dc1f7c763ff723119343b438bb8eece4765ad018ba89564/IMG_5440_2.jpg" /&#62;
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		<title>+    If I can’t dance, </title>
				
		<link>https://greenroom.work/If-I-can-t-dance</link>

		<pubDate>Thu, 30 Mar 2023 07:02:12 +0000</pubDate>

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전시 《If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution》는 20세기 초 여성 운동을 이끌었던 엠마 골드만이 뱉은 위 단어들의 움직임 자체에 우선 주목한다. 뉴욕 노상에서 판매하는 티셔츠의 문구이다가 암스테르담의 예술 기관명이다가 다시 서울의 전시 제목으로. 본 전시는 이 단어 조합의 형태 없고 경계 없는 퍼포먼스를 통해 이론가 폴 프레시아도가 주장하는 퀴어적 혁명의 가치를 다양한 영역의 예술가들-일러스트레이터, 안무가, 댄서, 시인, 조각가, 그래픽 디자이너, 제페토 메타버스 제작자 등-과 함께 실천해보고자 하였다. 


Stemming from the words of Emma Goldman who led the women’s movement during the early 20th in the US, If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution focuses on the very movement that these words had created. Once being on a T-shirt sold at a street of NYC, then being a name for the arts institution in Amsterdam, and finally being a title of the exhibition in Seoul. Buttressed by this formless and borderless performance created by the combination of words, this exhibition aims, by inviting artists in various fields such as illustrator, choreographer, dancer, poet, sculptor, designer and metaverse map maker, to grasp and practice the revolutionary values that lied in the ways of queer-ly world making, suggested by the theorist Paul Preciado.


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


If I can’t dance, 
&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;
I don’t want to be a part of your revolution (2022)&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; 


Sunmi Yong 용선미&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


 &#38;nbsp; KR/EN&#38;nbsp; &#38;nbsp;


기획자의 편지 CURATOR’S LETTER &#38;nbsp;


“《If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution》는 혁명의 기쁨이 입으로 들어가(알렉스 타타르스키) 진동하는 몸을 통과해(권령은) 손가락의 마디 위에서 춤을 추다(허연화) 빛으로 무장한 괴물에 잠입한 채(람한, 이은) 똥구멍으로 가뿐히 나오는(앵 보), 우리 모두가 함께 제안하는 혁명적 시도입니다. 결국 우리는 마찰을 통해 창조적인 움직임을 얻습니다. 발과 발이 바닥을 밀고 손과 손이 마주하며 세상 속 여러 형태의 춤을 만드는 것처럼요. 그래서 저는 우리가 지금 발 딛고 서있는 이 땅이 실은 잘 보이지 않는 존재들이 끊임없는 마찰을 견디며 만들어 낸 자잘한 혁명의 춤 위에 세워진 것이라고 감히 말하고 싶은 것 같습니다. 이 전시에 함께 해 준 다섯 명의 작가들과 그들의 작업, 그리고 모든 협업자들을 통해 말이죠.” 


“If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution is a revolutionary attempt that we all propose together: joy of revolution enters a mouth(Alex), passes through a vibrating body(Lyon Eun KWON), dances on phalanges(Hur Yeonhwa), infiltrates into a monster armed with light(Ram Han) and comes out of an anus with ease(Anh Vo). After all, we gain creative movement via friction.6 It’s like how various forms of dance are created as two feet press the floor and two hands to face each other. Hence, with the aid of five artists who participated in the exhibition, their works, and every collaborator, I think I daringly want to say that the earth we are currently standing on is in fact established on the dance of revolution made by hardly visible beings that endure incessant frictions.”


&#60;img width="2048" height="1536" width_o="2048" height_o="1536" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/953833856d77747c343eb60799fe194bb1d9f671d7e69b80f853857bda2f685c/1.jpg" data-mid="173635841" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/953833856d77747c343eb60799fe194bb1d9f671d7e69b80f853857bda2f685c/1.jpg" /&#62;&#60;img width="693" height="519" width_o="693" height_o="519" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/1945081248387872c96c2793add50341475643e46139787498b8afac51af7333/3.jpg" data-mid="173635846" border="0" data-scale="50" src="https://freight.cargo.site/w/693/i/1945081248387872c96c2793add50341475643e46139787498b8afac51af7333/3.jpg" /&#62;&#60;img width="689" height="517" width_o="689" height_o="517" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/5a69f813bd5bfd55875eae4bf607a924194fcf68fb01a8e6891a530748b2b2d1/2.jpg" data-mid="173635842" border="0" data-scale="50" src="https://freight.cargo.site/w/689/i/5a69f813bd5bfd55875eae4bf607a924194fcf68fb01a8e6891a530748b2b2d1/2.jpg" /&#62;
&#60;img width="1386" height="519" width_o="1386" height_o="519" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/dc7e5cfb9b1697482f3e5af23eed103878f37e722d44d963e747dff4a68087b9/6.jpg" data-mid="173636216" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/dc7e5cfb9b1697482f3e5af23eed103878f37e722d44d963e747dff4a68087b9/6.jpg" /&#62; 


exhibition view © Hong Cheolki


활동북 링크 LINK TO THE PLAYBOOK 


=&#38;gt;&#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;  Link&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


Artists


권령은은 안무가이자 무용수이다. 주체적인 몸과 움직임에 대해 관심이 많고 사회 속 다양한 현상과 제도 안에서 그것을 조명하는 작업을 한다. 본 전시에서는 권령은의 과거 작품 중 &#38;lt;암호명 부곡하와이&#38;gt;(2021)의 변환된 버전을 전시장에 소환한다. 한국의 패키지 관광 문화에서 착안한 관객 참여형 퍼포먼스로, 관광과 공연의 유사한 사회적 구조에 의문을 갖는다. 안무가 스스로가 관광 혹은 공연의 ‘설계자’가 되어 관(람)객의 움직임을 유도한다. 이를 통해 관광 버스 혹은 공연장 안에서 이뤄지는 일상으로부터의 도피, 순간적 공동체, (마치 액스터시에 취한 듯한) 몸들의 ‘혁명’을 목격함으로써 “우리는 왜 모여서 춤을 출까?”라는 근본적인 질문을 우리에게 던진다.


Lyon Eun KWON works as a choreographer and dancer, performing in various forms of arts and scenes. She is mainly interested in the body as subject and its movement and works to illuminate it within various phenomena and institutions in society. In this exhibition, the irritation of one of her past works &#38;lt;Code name Bugok Hawaii&#38;gt; (2021) will be summoned as a performance. It is an audience-participating performance conceived from the Korea’s package-tour culture, navigating the similarities of social structure in tourism and performance. The choreographer herself becomes the architect of tour/performance and tries to induce the movement of spectators, and through this, audiences will be able to get emerged in the moments of escape, thus the ‘revolution’ of bodies.


람한은 서울을 기반으로 활동하는 일러스트레이터 겸 만화가다. 주로 태블릿이나 PC를 활용한 디지털 드로잉 작업을 통해 이미지를 생산한다. 본 전시에서는 작가가 만들어 낸 기존의 디지털 페인팅 중 일상적 전복 도구로써 활용될 만한 것들을 모아 메타버스 플랫폼 제페토(Zepeto) 안에서 실제 활용 가능한 아이템으로 제작한다. 크리에이터 이은과의 콜라보 작업으로, 람한의 캐릭터와 아이템을 제페토 참여자/관객에게 전파시킴으로써 혁명의 미세한 파동을 가상 세계 안에 구축해 보고자 한다.


Ram Han is an illustrator and animator based in Seoul. She produces the images through the method of digital drawing, using tablets or PC. In this exhibition, the items abstracted from her existing drawings will be recreated and itemized for the real usage in the metaverse platform called Zepeto. The audiences/users can acquire these items as a tool for everyday "revolution." In collaboration with the Zepeto creator ii-eun, this new approach of transmission in virtual world will accelerate the revolutionary motions from the real (or not) people.


허연화는 온/오프라인의 풍경들을 기반으로 한정된 공간의 물리적 크기를 전복하려고 시도한다. 유동적인 물질과 신체에 대한 관심사를 바탕으로, 소프트웨어 환경 안의 입체들을 현실의 재료로 치환하는 작업을 시도하고 있다. 본 전시에서 작가는 현실과 가상, 물질과 비물질을 넘나드는 혼성적 시스템의 구조와 조각 단위의 정보 홍수에서‘세일링’이라는 도구를 꺼내 든다. 불안정하고 가변적인 물이라는 프레임 위에서 진행되는 세일링의 행위 안에 담긴 신체의 유기적인 움직임을 설치, 조각, 프로젝션 등의 여러 매체를 경유하여 보여 준다.


Hur Yeonhwa attempts to flip the physicality of a limited space constructed in the online/offline and real/virtual landscapes she encounters in everyday life. With the interests of fluid materials and bodies, she attempts to replace the three-dimensional objects in the software environment with real materials. In this exhibition, the artist brings a tool of ‘boat sailing’ and delves into the narrative of a hybrid system that crosses in between reality and virtual, material and non-material that persist in the flood of fragmented unit- information. This will show how the organic movements of the body contained in the act of sailing on the frame of unstable and variable water can be materialized through various media such as installation, sculpture, and projection.


알렉스 타타르스키는 유대계 미국인 안무가/퍼포머이자 광대 연구자이다. 그는 언어 속에 내포된 유희적 요소들을 적극적으로 활용하여 ‘광대’ 페르소나를 연구하여 퍼포먼스로 선보인 다. ‘전체주의‘에 대한 저항의 한 방식으로 러시안 미래주의자들의 자움 시와 르코크 무브먼트 교육학 에 관심을 보인다. 본 전시에서 알렉스 타타르스키는 앵 보와 함께 pussy라는 단어의 의미가 외국어의 이질성을 경유하며 탈각되는 형식을 빌어 유희적인 선언문을 공동으로 작성하여 배포한다.


 Alex Tatarsky(she/her) is a Jewish-American choreographer/performer and clown. She actively utilizes the playful elements contained in the language to study the 'clown' persona and present it as a performance. As a way of resistance to 'totalitarianism’, she finds her interests Russian futurists’ Zaum poetry and Le Cork Movement pedagogy. Together with Ahn Vo, Tatarsky will create a poetic manifesto of how the word pussy can be dismantled and whimsically reoriented in the current society of Korea. As navigating the unfamiliarity permeated in the foreign language, the word will gain the strength of revolutionary power as a new queering method.


앵 보는 베트남 출신의 안무가/댄서 겸 포르노그라피 연구자다. 그는 포르노그라피, 퀴어 관계, 존재와 형태, 정체성과 추상적 관념, 역사와 식민지적 현실에 관한 춤을 만들고 텍스트를 생산한다.&#38;nbsp; 본 전시에는 앵 보의 &#38;lt;넌-바이너리 푸씨&#38;gt; 시리즈 영상 네 편이 소환된다. 이는 개인의 몸을 관통하며 타의로 인해 직조된 베트남 전쟁사를 팝 엔터테인먼트와 정치적 선전 도구를 결합한 형태로서 선보인다. 이상적으로는 집단적 변화와 혁명을 이끌어내고자 하는 미니 콘서트이다.


Anh Vo is a Vietnamese choreographer/dancer and researcher/writer. He creates dances and produces texts about pornography, queer relationships, existence and form, identity and abstraction, history and colonial reality. In this exhibition, four videos from the Non-Binary Pussy series will be presented. It talks about the history of Vietnam that is vividly weaved onto one’s body as taking a form of a mini-concert that combines pop entertainment and political propaganda tools to provide an immersive experience for the audience, and ideally to bring about collective change and revolution.


Credit


d/p 기획지원 14 선정 《If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution》


2022. 7. 5. - 8. 6. 
d/p (서울 종로구 삼일대로 428 낙원악기상가 417호) 
참여작가: 권령은, 람한, 허연화, 알렉스 타타르스키 &#38;amp; 앵 보
기획: 용선미 
그래픽 디자인: 마카다미아 오!
도록 편집: 정소영
글: 용선미, 정소영, 플로라 브랜들
공간 설치: 정진욱
미디어 설치: 올미디어
사진 및 영상 촬영: 홍철기 (스튜디오 수직수평)
번역: 김지선, 황원호
홍보 및 진행: 서헤다


주최: d/p
주관: 새서울기획, 소환사
후원: 우리들의낙원상가, 한국메세나협회, 한국문화예술위원회, 서울문화재단


d/p curator support 14
《If I can’t dance, I don’t want to be a part of your revolution》
July 5 - August 6, 2022
d/p (#417, 428, Samil-daero, Jongno-gu, Seoul)
participating artists: Lyon Eun KWON, Ram Han, Hur Yeonhwa, Alex Tatarsky &#38;amp; Anh Vo
curated by Sunmi Yong
graphic designed by Macadamia Oh!
book edited by Soyoung Chung
text by Sunmi Yong, Soyoung Chung, Flora L. Brandl
space designed by Jinwook Jung
media installation: All Media
photo and video: Hong Cheolki (studio SUJIKSUPYUNG)
translation: Jiseon Kim, Wonho Hwang
pr &#38;amp; overall supoort: Heda Seo


hosted by d/p
organized by saeseoul society, sohwansa
sponsored by Nakwonmusic, Arts Council Korea, Korea Mecenat Association, Seoul Foundation for Arts and Culture


</description>
		
	</item>
		
		
	<item>
		<title>+    O.E. &#38; The Black Tulip  </title>
				
		<link>https://greenroom.work/O-E-The-Black-Tulip</link>

		<pubDate>Mon, 29 Nov 2021 13:04:22 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

		<guid isPermaLink="true">https://greenroom.work/O-E-The-Black-Tulip</guid>

		<description>
	
현아는 17세기 네덜란드의 감염된 튤립과 이를 야기한 ‘브레이커스’의 미학적 인덱스를 연구하고, ‘브레이커스’의 개념이 신체의 움직임으로 어떻게 전유될 수 있는지 탐구하며 작업의 개념적 전술로 사용한다. &#38;lt;O.E.&#38;gt;와 &#38;lt;검은 튤립&#38;gt;은 지난 6년의 여정을 보여준다.Commencing from Hyun A’s visual analysis of the 17th century Dutch broken tulips, the idea of breakers has haunted her both as a visual index and as an essential conceptual strategy in her practice. O.E. and The Black Tulip focused on bodily movements show her artistic navigation in recent 6 years.


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


						O.E. (2021) &#38;amp; The Black Tulip (2022) &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; Hyun A&#38;nbsp; 현아&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


O.E., 2021


O.E. Score 4: The Pain of Sphinxes, Single-channel video, sound, colour, 18’ 10”


 &#38;nbsp; KR/EN&#38;nbsp; &#38;nbsp;


Artist’s note


O.E. (Orpheus Eurydice) 2021

O.E.는 고대 그리스 신화에 기반을 두었지만, 신화에서 벗어나 본인이 느꼈던 상실감과 고통을 새로운 변화의 힘으로 바꾸고자 하는 강한 열망을 반영한다. 그런 의미에서 본인은 다른 세 명의 여성 퍼포머와 함께 신체를 사용하여 새로운 정체성을 찾기 위해 노력했다. O.E.에서는 세 명의 퍼포머가 오르페우스, 에우리디케, 스핑크스가 된다. 이 작업에서 뒤돌아보는 금기는 더 이상 남자 주인공인 오르페우스의 전유물이 아니다. 그 대신 열기, 살점, 피부, 근육, 뼈 그리고 호흡하는 존재-육체로서 현존하는 신체에 초점을 맞춰 이러한 캐릭터를 매우 물리적으로 구현하고자 했다. 이 작업에서 에우리디케는 그녀의 연인인 오르페우스의 구원을 기다리는 고귀하고 무해하며 연약한 존재가 아니다. O.E. is my performance and video work. Though the concept of O.E. is based on the ancient Greek myth, it conveys my strong desire to transform my sense of loss and pain into a force of change - a power to find my new identity within myself and with other women performers. In O.E., 3 performers become Orpheus, Eurydice and the Sphinx. The taboo of looking back is no longer the focal point of the male protagonist Orpheus. Instead, I elicit a very physical embodiment (being) of these characters, focusing on the body existing as a breathing entity of heat, flesh, skin, bone and muscles. I refuse to portray Eurydice as a noble, harmless and fragile being destined to wait for her lover’s rescue. My interest in the Sphinx, a monstrous creature asking humans riddles, continues in this work.
&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/107e74bd0ad36ad802eed5850577a450ec32b968dfcaf7715088ff4c1c46c2a1/image-4.jpg" data-mid="168384368" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/107e74bd0ad36ad802eed5850577a450ec32b968dfcaf7715088ff4c1c46c2a1/image-4.jpg" /&#62;&#38;nbsp;O.E. Score 3: Sliding Feet which Remember, B&#38;amp;W and color, 7’ 25”, 2021


인간에게 수수께끼를 던지는 괴물 스핑크스에 대한 본인의 관심은 이 작품에서도 지속된다. 세 명의 괴물은 (3인의 오르페우스, 3인의 에우리디케 그리고 3명의 스핑크스) 각자의 고통을 짊어지고 이에 저항하며 고군분투한다. 또한 이 캐릭터들은 한국의 주류 문화와 동시대적 사회에서 생존하기 위한 투쟁을 통해서 여성 예술가들의 연대와 우정으로 전환하여 여성 무용수를 재단하는 기본 틀에 맞서려 노력했다. 이들의 신체는 종이접기처럼 열리고 닫히면서 신체의 유한성을 보여준다. 이를 기록하는 카메라의 시선도 역시 또한 사후적이다. O.E.에서는 두 가지 질문을 놓지 않았다. “어떤 동기와 어떤 종류의 추진력이 그들의 신체를 움직이도록 영감을 줄 수 있을까?” “그리고 우리는 지금 이 순간 어떻게, 왜, 무엇을 뒤돌아보아야 하는가?”The three monsters (3 Orpheuses, 3 Eurydices, 3 Sphinxes) resist and struggle with their own pain as singularities, yet they also confront it as a unit, transforming their private struggles into solidarity and friendship between women to survive in Korean culture and society. In O.E., there is both an isolated and collective embodiment that willingly breaks through borders, as a breaker against the law of binaries. Two questions arise: “What motivation and what kind of drive can inspire them to move?” and “How, why and what do we look back at this very moment?”
&#60;img width="1920" height="1080" width_o="1920" height_o="1080" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/1854d5350d4a7ec5cf5c044bdc4dd1f60c78587fbcae70cd3b4caf0549b5e120/image-2.jpg" data-mid="168384466" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/1854d5350d4a7ec5cf5c044bdc4dd1f60c78587fbcae70cd3b4caf0549b5e120/image-2.jpg" /&#62;&#60;img width="1920" height="1080" width_o="1920" height_o="1080" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/40cbeb34a6f2729c6e8263169a797868aec87f4925ef0d43b7a5cf41532ba15a/image-1.jpg" data-mid="168384467" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/40cbeb34a6f2729c6e8263169a797868aec87f4925ef0d43b7a5cf41532ba15a/image-1.jpg" /&#62;&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/d601eb53e353a52bde9566a59e12fbcfdb51f59549f5a6240c132d84330eece9/image-3.jpg" data-mid="168384495" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/d601eb53e353a52bde9566a59e12fbcfdb51f59549f5a6240c132d84330eece9/image-3.jpg" /&#62;O.E. Score 4: The Pain of Sphinxes, Single-channel video, sound, colour, 18’ 10”스코어 4에서는 처음으로 스핑크스가 모습을 드러낸다. 오르페우스가 잡은 손이 에우리디케가 아닌 스핑크스의 손이라고 상상해보았다. 스핑크스는 인간에게 수수께끼를 던지는 존재이고 스핑크스는 정답을 맞춘 인간 오이디푸스에 의해서 그 대답으로 인해 결국 죽는 존재이다. 사라지고 소멸하게 되는 존재라는 점에서 에우리디케와 스핑크스 사이에 연결점이 있다고 생각했다. 그럼으로써 세 명의 에우리디케는 하나 이상의 몸; 단수이자 복수, 인간-동물-기계-괴물이 된다. 세 명의 무용수는 자신들의 신체를 집적하고 쌓아 올라가며 그 무게와 긴장감을 유지하려고 노력한다. 3인의 무용수는 사지를 사용하여 신체를 천천히 크게 부풀리며 상대방의 손목과 발목을 잡는 동시에 상대의 눈을 가린다. 3인의 무용수는 서로를 끌어안고 구른다. 실타래처럼 얽히고설킨 이들의 신체는 스핑크스의 수수께끼를 연상시킨다. 상반신과 하반신을 가능한 분리된 신체처럼 다루는 것을 시도하면서 스틸과 무빙 사이에서 진동하는 세 명의 스핑크스들. 이들을 인간의 신체, 피부, 열기, 땀, 무게, 근육, 뼈를 통해 스핑크스의 유령들과 접신한다.
I imagined the hand that Orpheus holds is not Eurydice’s but the Sphinx’s. The Sphinx is a mysterious being who throws riddles to humans like Oedipus. It ultimately meets its own death when Oedipus answers its riddle correctly. I perceive a strange connection between the idea of dying out (going out of existence) or disappearance, and Eurydice and the Sphinx. Therefore, three Eurydices expand into more than one body that is both singular and collective as well as a human-animal-machine-monster. three Sphinx-Eurydices who constantly oscillate between stillness and movement while trying to push their upper and lower bodies in different directions. The three performers communicate as and embody the ghost of Sphinx through touch, sucking on skin and bone, and exchanging heat, sweat, weight, muscle and energy as if they are a monster.
&#60;img width="1936" height="1096" width_o="1936" height_o="1096" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/4fcdc30d00a8c5e0e132616869e4f3840741676ebe8a92c19f4475bbc7578702/image-5.jpg" data-mid="168384539" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/4fcdc30d00a8c5e0e132616869e4f3840741676ebe8a92c19f4475bbc7578702/image-5.jpg" /&#62;
&#60;img width="1936" height="1096" width_o="1936" height_o="1096" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/db8466daede1c8e231ce2ee26b31e1c8fb2e16f03722c88724db6488d9a69176/image-6.jpg" data-mid="168384541" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/db8466daede1c8e231ce2ee26b31e1c8fb2e16f03722c88724db6488d9a69176/image-6.jpg" /&#62;
&#60;img width="1936" height="1096" width_o="1936" height_o="1096" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/e423a16fcb38bae45bdb706f7fc4169c4d17a69d40707ddb6ac3057f495c42db/image-7.jpg" data-mid="168384549" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/e423a16fcb38bae45bdb706f7fc4169c4d17a69d40707ddb6ac3057f495c42db/image-7.jpg" /&#62;O.E. Score 5: O.E./Maze, animation, color, 45 min., 2023


Black Tulip, performance, score 1,2,3,4,5, 2022

Score 1: The Resistance

Score 2: The Foot of Hermes 

Score 3: The Self-Offense and Defense 

Score 4: The Ritual

Score 5: Mad Tulip’s Dance Dramaturg’s note

Kim Junghyun 김정현
파열이 낳은 아름다움에 대한 열망과 그것이 간직한 꿈과 악몽에 대한 상상은 오랫동안 현아의 머릿속을 떠나지 않았다. 그는 튤립에 매료되었다. 아름다움과 물질적 소유에 대한 인간의 자본주의적 열망이 최초로 광기로 발현된 서구의 역사에서, 튤립은 그 지역의 고유한 자연&#38;nbsp;산물이&#38;nbsp;아니라&#38;nbsp;동방의 수입품에&#38;nbsp;바이러스를&#38;nbsp;주입하여&#38;nbsp;만든 이질적이고 혼종적인 양식이었다. 현아의 리서치는 알렉상드르 뒤마의 소설 『검은 튤립』(1850)으로 이어졌다. 모든 역경과 고난을 이기고 기적의 꽃을 틔우는 연인의 이야기에는 타자를 변형시켜 욕망을 투사하려는 식민주의의 유산에서 벗어나는 변신의 가능성이 암시적으로 담겨있었다. 뒤마의 가족력 중 아이티 출신 노예였던 친할머니의 존재는 검은 튤립에 간직된 욕망을 다른 방향에서 바라보도록 했다. The desire for beauty created by a rupture and its intertwined dreams and nightmares have been on Hyun A’s thoughts for a long time. The broken tulips have fascinated her. Creating beauty and material possessions in relation to the desires of humankind based on capitalism led to the manifestation of madness in the tulip history of the West, though tulips were not indigenous to the region. In fact, it was a heterogeneous and hybrid style created by injecting a virus into the imported goods from the East. Hyun A’s research continued with Alexandre Dumas’s novel “The Black Tulip (1850)”. To her, the legendary flower that overcomes all adversity and hardship in the story of a lover who strives to cultivate the black tulip implicitly reveals that there is a new ‘possibility for transformation’ that escapes from the old legacies of colonialism, which had projected European desires by transforming them into the Other. In Dumas’s family history, the existence of his grandmother, who was a black slave from Haiti prompted Hyun A look at the desires contained in black tulips from a different perspective.&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/30114d57286c79f383d78d4f1e4a590465862c12a6138d6aed25250730f10824/image-8.jpg" data-mid="168384617" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/30114d57286c79f383d78d4f1e4a590465862c12a6138d6aed25250730f10824/image-8.jpg" /&#62;&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/7633ce157b0bf16338133c2fc2cc33fd6dcdb57fce5a77b0cd596b0848471f18/image-9.jpg" data-mid="168384618" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/7633ce157b0bf16338133c2fc2cc33fd6dcdb57fce5a77b0cd596b0848471f18/image-9.jpg" /&#62;
&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/12667ff4e1d65e016e1a85cfb459cd4847463d8004a6f063acc599c224b6356d/image-10.jpg" data-mid="168384627" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/12667ff4e1d65e016e1a85cfb459cd4847463d8004a6f063acc599c224b6356d/image-10.jpg" /&#62;&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/cf8d9a80a49c443bd6289d94489209a163c633b035e767add649052eb82314a2/image-12.jpg" data-mid="168384648" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/cf8d9a80a49c443bd6289d94489209a163c633b035e767add649052eb82314a2/image-12.jpg" /&#62;&#60;img width="1920" height="1080" width_o="1920" height_o="1080" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/7a8f25caf47d859a4f0241c659172bddf33a55ee79e11ea98633a05f38eaa981/image-11.jpg" data-mid="168384631" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/7a8f25caf47d859a4f0241c659172bddf33a55ee79e11ea98633a05f38eaa981/image-11.jpg" /&#62;The Black Tulip, Score 5: The Mad Tulip’s Dance, 7 min., 2022

 검정이 된다는 것과 검정으로 있는다는 것, ‘검정성(blackness)’은 그저 흑인 노예의 억압적인 삶을 환기하거나 체념적으로 위로하는 것이 아니라, 변신의 능력과 역량을 사유하게 한다. 전장의 군인이 지닌 위장술이 주변 환경에 녹여지는 것이라면, 검은 튤립의 위장술은 자신의 역량을 신체적으로 뽐내고 드러냄으로써 저항하는 것이다. 


드라마터그 김정현은 궁정 춤의 양식으로 발전한 서구의 춤과 달리, 아프리카 춤이 전투적 문화를 반영하여 무술적 춤으로 발전했다는 데 주목했다. 아프리카 여러 지역 춤의 공통적인 양상으로 격렬한 타악기 리듬에 빠른 다리 동작이 특징인 춤은 식민 통치자들에게 위협적으로 보여 엄격하게 통제되었다. 페미니스트 철학자 엘자 도를랑의 지적대로, 지속적인 억압과 통제의 결과 토착민의 몸은 “모든&#38;nbsp;순간들의&#38;nbsp;근육적인&#38;nbsp;긴장”(『자신을 방어하기』, 2017) 상태에 놓인다. 검정성의 역량은 엠마누엘 사누의 춤을 통해 몸의 언어로 펼쳐진다. 부르키나파소 출신의 안무가 엠마는 아프리카 춤의 전통에 대한 지식과 신체적 감각, 그리고 저항적 주체의 삶에 대한 인식을 바탕으로 온몸의 긴장된 근육과 응축된 힘의 무거운 진동, 분출과 소진을 보여준다. 현아는 오브제와 편집의 언어를 통해 검정성의 역량을 강조하거나 지워내며 또 다른 파열의 흔적을 남긴다. 
Becoming black and being black. The notion of blackness neither simply reminds us of the oppressive life of the enslaved black population nor consolidate them with a sense of resignation. Rather, it makes us think about the power of and capacity for transformation. If a camouflaged soldier on a battlefield blends into his/her environment, camouflaging like the black tulip entails an individual’s metamorphosis into a subject of resistance by grandstanding and showcasing his/her physical ability.


The dramaturg, Kim Junghyun, pays attention to the fact that Western dance was developed from a style with historical roots in the court dances of aristocrats. Unlike Western dance, African dance, which reflects militant aspects of the indigenous people’s culture, developed into various forms of martial arts dance. The characteristics of African dance include using rapid leg movements in an intense percussional rhythm. The colonial rulers considered these movements a threat, so they tightly controlled them. Feminist philosopher Elsa Dorlin points out that the indigenous body is in a state rife with the “muscular tension of every moment” because of the continuous repression and control (“Se defender”, 2017).

The power of blackness is revealed through the language of the bodily movements in the dance of Emmanuel Sanou(Emma), a choreographer from Burkina Faso. Emma has great knowledge of African dance traditions and physical sense. While reflecting on life from the perspective of a subject who can resist, Emma tenses the muscles throughout his entire body, and the heavy vibration of condensed power reveals the sense of outburst and exhaustion. Hyun A also leave traces of another rupture by emphasizing and/or erasing the power of blackness through the language connected to editing the videos.
* These texts were written for Hyun A’s solo exhibition The Black Tulip: Flesh and Bone (2022, MMCA Korea). 
Exhibition Info.

 Hyun A, La Tulipe Noire: La Peau et las os (The Black Tulip: Flesh and Bone) 1st Oct. 2022 - 10th Oct. 2022 
MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea) Changdong Residency Gallery 1 &#38;amp; 2 Supported by Seoul Foundation for Arts and Culture 


&#60;img width="3840" height="2160" width_o="3840" height_o="2160" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/aaa483aa952305adb5b808c9a289a469b6d32cb794e227eb7d884c89105853bf/image-13.jpg" data-mid="168384761" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/aaa483aa952305adb5b808c9a289a469b6d32cb794e227eb7d884c89105853bf/image-13.jpg" /&#62;The Black Tulip, Score 5, The Mad Tulip’s Dance, 7 min, 2022
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 The Black Tulip, installat


Artists현아는 글쓰기, 퍼포먼스, 비디오/사운드 설치, 책, VR 3D를 중심으로 작업한다. 17세기 네덜란드에서 곰팡이 바이러스로 인해 감염되어 터진 (broken) 튤립의 기형적인 아름다움과 (이 곰팡이 바이러스는 ‘브레이커스’라 불린다.) 브레이커스가 가진 다층적인 의미에 관해 고민하며 작업한다. 브레이커스는 단순히 비체가 아닌 하나의 견고한 그 무엇에 균열을 내고 그 틈을 벌리며 새로운 숙주를 찾아나선다는 점이 현아의 프랙티스에도 개념적으로 긴밀한 연결지점이 있다. 또한 브레이커스로 야기된 파열의 지점, 아름다움의 징후, 멜랑콜리아, 문화적 정체성 그리고 인간의 삶 속에 존재하는 모호하고 결정 불가능한 지점에 관한 질문을 지속하면서 이질적인 시간과 유령적인 역사, 개인적이고도 집단적인 기억과 문화 그리고 언어 사이에 심리적이고 물질적인 불/가능성이 소환되는 장소를 찾는다. 


현재 17세기 네덜란드의 터진 (broken) 튤립과 이들을 야기시킨 브레이커스의 미학적 인덱스를 연구하고 퍼포먼스 장르에서 브레이커스라는 개념이 신체의 움직임으로 어떻게 그리고 어떤 방식으로 전유될 수 있는지에 관해 탐구하며 이들을 작업에서 개념적인 전술로 활용한다. 2016년 «누군가의 목소리가요 듣고 싶어집니다.» (케이크갤러리), 2017년 «누군가의 목소리가요 듣고 싶어집니다. 라디오만이 제 친구입니다.» (아트선재센터), 2018년 «노와 I» (서울시 마포구 합정동에 일시적으로 비워진 무명의 건물), 2022년 «검은 튤립: 살갗과 뼈» (창동창작스튜디오 갤러리 1,2)등의 개인전을 개최했다. 
While working with writing, drawing, installation, video, sound, performance, 3D and VR, Hyun A is an ardent investigator searching for breakers. Commencing from her visual analysis of the 17th- century Dutch broken tulips, the idea of breakers has haunted her not only as a visual index in terms of representation but also as an essential conceptual strategy to intervene, disrupt, crack and split her art practice overall. Hyun A’s interest in performance in general focuses on bodily movements that reflect the finitude of the human body and the motivation that drives dancers to move.


Concerned with points of rupture, or the singularity - a breaker - that emerges from the ambiguities of our human condition and reality, Hyun A tries to weave both her studio and writing practices around the imaginative, psychological and physical spaces of (im)possibility as well as around the state of the undetermined that is derived from divergent times, histories, private and collective memories and languages. Hyun A had a solo exhibition I would like to hear someone’s voice (Cake Gallery, Seoul, South Korea, 2016), I would like to hear someone’s voice. The radio is my only friend. (Art Sonje Center, Seoul, South Korea, 2017), Nohwa I (An empty building in Hapjeong-dong, Seoul, South Korea) and The Black Tulip: Flesh and Bone (MMCA Changdong residency gallery 1 and 2, 2022).

김정현은 비평과 창작이 서로 개입하는 방식에 관심을 갖고 글을 써왔다. 독립 큐레이터, 드라마터그, 퍼포먼스 연구자로 «몸짓말» (2021) 아카이브, «하나의 사건/마지막 공룡» (2020), «아무것도 바꾸지 마라» (2016-2020), «퍼포먼스 연대기» (2017) 등을 기획했다. 헬싱키와 서울을 오가며 활동한다. Kim Junghyun is an art critic and independent curator based in Seoul and Helsinki. She was awarded the 1st SeMA-HANA Art Criticism Award by the Seoul Museum of Art in 2015. Kim authored Torrents of the Exterior (Selected writings by Kim Junghyun; forthcoming in 2023, Mediabus) and co-authored The Future of Silence (2020, NAM JUNE PAIK ART CENTER), Video Portrait (2017, Total Museum of Art), Rui Chafes &#38;amp; Pedro Costa: Distant Room (2016, Ilmin Museum), etc.


Co-curated CORPUS GESTUS VOX as a researcher and curator of its archive room (Gyeonggi Museum of Modern Art, 2021) and This Event/ Last Dinosaur (Seoul Museum of Art, 2020). Based on her special concern on performance art, Kim produced Change Nothing (2016-2020) and Performance History (2017). She joined the artist’s residency program in the SeMA Nanji Residency (Seoul, 2017), the Fukuoka Asian Art Museum (Japan, 2018) and TOKAS (Tokyo, forthcoming in 2023).


O.E.


기획. 제작. 컨셉: 김정현, 현아

리서치: 현아

드라마터그: 김정현

무브먼트 디렉팅: 황수현

퍼포머: 강호정, 박유라, 황다솜

촬영감독: 백종관

조촬영감독: 이재진

조명감독: 손민영

조명팀: 김도형, 김민기, 이선호, 한창현

영상편집: 현아

후원: 서울문화재단 


Co-concept, produced and curated by Hyun A and Kim Junghyun

Artist, Research: Hyun A

Dramaturg: Kim Junghyun

Movement Directing: Soohyun Hwang

Performers: Hojung Kang, Yura Park, Dasom Hwang

Video design and Cinematographer: Jongkwan Paik

Camera: Jaejin Lee

Lighting design: Minyoung Son

Lighting team: dohyun Kim, Minki Kim, Sunho Lee, Changhyun Han

Editing: Hyun A

Supported by Seoul Foundation for Arts and Culture


The Black Tulip
기획. 제작. 컨셉: 김정현, 현아

리서치: 현아

드라마터그: 김정현

안무: 엠마누엘 사누

퍼포머: 엠마누엘 사누

촬영감독: 백종관

조촬영감독: 이재진

조명감독: 손민영

영상편집: 현아

후원: 서울문화재단 


Co-concept, produced and curated by Hyun A and Kim Junghyun

Artist, Research: Hyun A

Dramaturg: Kim Junghyun

Choreographer: Emmamuel Sanou

Performer: Emmamuel Sanou

Video design and Cinematographer: Jongkwan Paik

Camera: Jaejin Lee

Lighting Design: Minyoung Son

Editing: Hyun A

Supported by Seoul Foundation for Arts and Culture

* Updated on 12th Feb. 2023


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		<title>+    SULLAE</title>
				
		<link>https://greenroom.work/SULLAE</link>

		<pubDate>Mon, 08 Feb 2021 12:23:22 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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장나윤은 제시 천의 &#38;lt;술래&#38;gt;(2020)에 주목한다. 작가는 이방인으로 살아온 자신의 경험을 토대로 언어에 내재된 권력의 불균형을 드러내는 작품들을 선보여왔다. 필자는 ‘언랭귀징(unlaguaging)’이라는 용어를 통해 언어의 일상성으로부터 멀어져 그것을 규정하고 움직이는 구조와 권력에 대해 생각해볼 것을 역설한다.   

Nayun Jang focuses on Jesse Chun’s Sullae (2020). Jesse Chun is an artist who interrogates systems of power by exploring language, especially English, which is tied up with legacies of imperialism. Jang emphasized that Chun confronts all current systems by undoing language – the process that the artist calls ‘unlanguaging’. &#38;nbsp;


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


Jesse Chun: SULLAE – The Moon, Ganggangsullae, and a Journey of “Unlanguaging”&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;

&#38;nbsp; &#38;nbsp; 제시 천: 달, 강강술래, 그리고 ‘탈언어화’의 여정&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;

&#38;nbsp; &#38;nbsp; Nayun Jang 장나윤 &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;
&#60;img width="3574" height="2010" width_o="3574" height_o="2010" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/e31eda5864edfa020904aa5083fb4c05cc347cd7d2be4baf77e75b6d0934e919/4.png" data-mid="98175947" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/e31eda5864edfa020904aa5083fb4c05cc347cd7d2be4baf77e75b6d0934e919/4.png" /&#62;

3-channel video documentation, 6 minutes 25 seconds, voiced and voiceless consonant (English), hangeul (한글) and English text,images, index pages from intonation books, white noise, word censor bleep, dimensions variable

&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;https://www.jessechun.com/sullae&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp; 


제시 천(Jesse Chun), 달, 강강술래, 그리고 ‘탈언어화’의 여정
장나윤


제시 천은 언어에 대해 탐구하는 작가이다. 그는 언어를 작동시키는 사회 제도와 권력에 주목하여 일상에서 사용되는 언어 이면의 구조를 ‘읽어낸다’. ‘읽는다’는 행위는 제시 천의 작품세계에서 매우 중요한 주제로 등장하는데, 이는 작가가 만국 공통의 언어로 불리는 영어를 중심으로 문자의 가독성 및 가해성의 문제에 대해 오랫동안 관심을 가져왔기 때문이다. 한국에서 출생한 후 홍콩에서 성장기를 보내고, 이후 북미로 이주하여 작품 활동을 전개해온 제시 천은 이방인으로 살아온 자신의 경험을 토대로 언어에 내재된 권력의 불균형을 드러내는 작품들을 선보여 왔다.

그동안 뉴욕을 중심으로 활동해온 그의 작품이 한국의 관객들을 처음 만난 것은 지난 봄 백남준 아트센터에서의 전시 &#38;lt;침묵의 미래: 하나의 언어가 사라진 순간&#38;gt;에서였다. 올 초에는 두산아트갤러리가 후원하는 신진 작가 발굴 프로그램 ‘두산아트랩 뉴욕’의 수혜자로 선정되어, 두산갤러리 뉴욕에서 티파니 재연 신과 함께 2인전을 가지기도 했다.

최근 제시 천은 뉴욕 퀸즈에 위치한 세인트존스대학교 예아트갤러리(Yeh Art Gallery at St. John’s University)에서 전시를 가졌다. 전시의 제목인 &#38;lt;Jesse Chun: SULLAE 술래&#38;gt;는 그의 신작에서 따온 것으로, 이는 한국의 전통놀이 강강술래를 모티브로 한 작품이다. 총 6분 25초 분량의 3채널 비디오 작품인 &#38;lt;SULLAE 술래&#38;gt;에는 각종 기록 영상과 텍스트, 의미 불명의 기호들로 구성된 화면에 백색 소음, 사람의 음성, 경고음 등이 불규칙하게 덧입혀진다. 작품에 등장하는 기록 영상은 주로 강강술래를 하는 여성들의 모습을 촬영한 것으로, 그들은 부분적으로 확대된 이 흑백의 저화질 영상 속에서 흐릿한 실루엣으로 등장하여 천천히 원을 그리며 움직인다. 이 영상 위로 하얀색의 사각형, 영어의 알파벳 A, 숫자 0과 한글의 ㅇ, 영어의 소문자 o와 대문자 O 등이 산발적으로 등장한다. 이 문자와 숫자들은 모두 뚜렷한 흰색으로 표기되었는데, 이는 강강술래를 하는 여성들의 흐릿한 실루엣과 기묘한 대비를 이루며, 마치 영상 표면에 떠있는 듯한 느낌을 준다. 여기에 ‘쉬’, ‘파’, ‘트’와 같이 의미를 알 수 없는 소리를 반복적으로 내는 목소리들이 더해지는데, 이는 영어 알파벳의 발음 방법을 가르치는 튜토리얼 비디오에서 따온 것이다. 그들은 같은 발음을 천천히 반복하기도 하고, 여러 개의 자음을 빠른 속도로 발음하기도 하는데, 이 불규칙함은 듣는 이로 하여금 묘한 긴박감과 불안감을 느끼게 한다.

음소 단위로 분절되어 발음되는 알파벳들은 어떤 의미도 갖지 않으며, 듣는 이는 자연스럽게 언어의 물질성, 즉 마찰음과 파열음, 비음 같은 것들로 이루어진 소리 그 자체에 주목하게 된다. 이 같은 언어의 의미 상실과 해체의 과정은 시각적 차원에서도 이루어진다. 작품의 중간에 ‘뉴문’, ‘목소리’와 같은 한글 단어들이 등장하지만, 이들은 모두 조각난 형태로 화면에 나타난다. 예를 들어 ‘뉴문’의 경우 화면을 벗어날 정도의 크기로 확대되어 초성 부분은 거의 잘려나가고 화면에는 ㅠ와 ㅜㄴ 만 보이는 식이다. 이렇게 조각난 단어들은 의미를 가진 단어라기보다는 일종의 기하학적 구조처럼 보이기도 한다. 한글을 읽지 못하는 뉴욕의 관객들에게는 더욱 그렇게 보였을 터이다. 이처럼 작가는 통상적인 언어의 규칙에 따라 해석될 수 없는 해체된 언어들을 이용하여 관객들을 시각, 청각적 의미 상실의 상태로 끊임없이 몰아넣는다. 작품에는 어떤 내러티브도 등장하지 않으며, 그저 시각적, 청각적 콜라주를 형성하고 해체하는 과정이 거듭될 뿐이다. 작가는 이 같은 해체의 과정을 구현함으로써 관객들로 하여금 언어의 일상성으로부터 멀어져 그것을 규정하고 움직이는 구조와 권력에 대해 생각하게 한다.

제시 천의 작품 세계에 있어 무엇보다 중요한 것은 바로 이 ‘과정’의 측면이다. 작가는 ‘언랭귀징(unlanguaging)’이라는 용어를 통해 그 중요성에 대해 역설한다. 미국의 언어학자 A.L.베커(A.L. Becker)가 처음 사용한 ‘랭귀징(languaging)’이라는 용어에서 착안하여 작가 스스로 만든 이 단어를 한국어로 번역하자면 ‘탈언어화’(통번역학에서 사용되는 용어인 ‘deverbalization’과는 상이함) 정도가 될 것이다. ‘-ing’, 그리고 ‘-화(化)’가 지시하는 과정적 측면에서 알 수 있듯, 제시 천은 작품 속에서 해체의 결과물이 아닌 그 과정을 보여주는 데에 집중한다. 끊임없이 분절되고 조각나는 과정을 거치는 동안 언어를 규정하는 규칙과 체계에 조금씩 금이 가기 시작하는데, 이때 비로소 그 견고함 이면의 본질에 가깝게 다가갈 수 있는 가능성이 열리기 때문이다.

그렇다면 작가가 주목하는 언어의 본질이란 과연 무엇일까. 언어에는 문법과 발음 등의 규칙을 결정하고 실행하는 구조와 체계가 존재하며, 이러한 체계는 사용자의 육체에 직접적으로 관여한다. 특정한 발음을 하기 위해서 혀가 입천장 어디쯤에 닿아야 한다든가, 입을 동그랗게 오므려야 한다는 규칙 같은 것들이 그 예이다. 제시 천의 작품에 등장하는 영어 튜토리얼 음성, 그리고 화면에 종종 등장하는 EFL(English as a foreign language, 외국어로서의 영어, 국제표준 영어 교수법을 뜻한다.) 교과서의 색인 페이지 등은 특히 만국 공통어인 영어의 구조적, 체계적 차원에 대해 생각하게 한다. 언어의 규칙을 따르지 않을 경우 소통을 할 수 없는 것은 당연한 일이며, 영어권 국가에 살아가는 외국인이 영어 교수법(pedagogy)을 따르지 않는다면 통역 불가 상태에 빠지는 것은 물론, 열등한 소수자로 낙인찍힐 수밖에 없다. 반드시 배워야 하고, 무조건 따라야 하는 영어의 규칙은 따라서 본질적으로 강압성과 폭력성을 내재하고 있다. 작가는 작품 곳곳에 공공문서에 사용된 워터마크나 압인을 배치함으로써 이와 같은 언어의 폭력성을 관료제와 국가 체계 등 보다 광범위한 의미의 권력에 연관시킨다. 

끊임없이 언어를 해체하려는 시도는 결국 그것을 움직이는 권력과 체계를 해체하려는 시도와 같다. 일본의 식민지였던 한국, 영국의 식민지였던 홍콩은 과거 모국어 상실과 강제적인 언어교육을 경험했다. 홍콩에서는 현재까지도 광동어, 표준중국어와 함께 영어가 공용어로 사용되고 있으며, 상류층으로 갈수록 영어 구사력이 필수적으로 여겨지므로 언어 능력은 필연적으로 계층의 문제와 결부되곤 한다. 어린 시절 비영어권 국가에서 영어권 국가로의 이주를 경험한 작가에게 있어 영어가 상징하는 권력의 실체는 분명한 것이었으며, 따라서 ‘탈언어화’로 요약되는 그의 작품 세계는 사실상 자전적이라 보아도 무방할 것이다. 작가는 특히 홍콩 반환 이후 과거의 국가 조직, 교육 제도, 화폐 등이 순식간에 무력화되고 새로운 것으로 대체되는 과정을 지켜보았던 유년기의 기억이 지금까지도 선명하게 남아있다며, 이로 인해 관료 체제(bureaucracy)에 대한 근원적인 불신을 갖게 되었다고 말한다. 한국과 홍콩의 역사에 비추어보았을 때, 그가 불신하는 권력과 체제는 본질적으로 식민주의 과거와 밀접하게 연관되어 있다. 작가가 ‘탈언어화’를 통해 언어 이면의 권력을 해체하려는 것은, 결국 탈식민화의 실마리를 찾으려는 시도에 다름 아닌 것이다.

탈식민화에 대한 작가의 깊은 관심은 ‘달’과 ‘강강술래’라는 소재의 선정에서부터 잘 드러난다. 강강술래는 풍요를 기원하는 의미에서 시작된 농경사회의 풍속으로, 평소 큰 소리로 노래를 부르거나 밤에 외출하는 것이 허용되지 않았던 여성들은 한가위 밤 보름달 아래에서 강강술래를 하며 자유롭게 춤을 추고 노래를 부르면서 오랫동안 쌓였던 울분을 토로할 수 있었다. 임진왜란 당시 이순신 장군이 적군에게 우리 측 병사의 수를 속이기 위해 강강술래를 이용했다는 이야기는 잘 알려져 있는데, 이러한 역사로 인해 일제 강점기에는 강강술래를 하는 것이 허용되지 않았다는 주장도 있다. 강강술래의 가사는 오랜 세월 구전되며 계속해서 변해왔는데, 일제 강점기를 전후하여서는 일제에 대한 저항의식이 담긴 내용이 많이 포함되기도 했다. 소리를 내뱉을 자유를 빼앗겼던 식민지배하의 과거에서 출발하여 강강술래의 저항적 가치에 대해 조사하던 작가는, 문득 최근 강대국들의 달 기지 개발과 관련된 ‘달 식민지화’ 논란을 떠올리게 되었다고 한다. 이처럼 달은 작가에게 있어 식민주의적 과거와 현재를 상징적으로 연결하는 한편, 탈식민주의라는 오랜 과제가 여전히 미완의 상태로 남아있음을 상기시키는 존재인 것이다. 전시에는 &#38;lt;SULLAE 술래&#38;gt; 외에도 달을 모티브로 한 설치 및 조각 작품들이 포함되어 달의 상징성에 대한 작가의 깊은 관심을 보여주었다. 감시용 볼록 거울로 반달을 형상화한 조각과 이를 그대로 벽면에 본뜬 흑연 드로잉이 &#38;lt;뉴문(new moons)&#38;gt;이라는 제목으로 소개되었으며, 달 모양의 콘크리트 스툴인 &#38;lt;무제 (ㄷ) (untitled (ㄷ))&#38;gt;또한 함께 전시되었다.

이곳에도 저곳에도 소속되지 못하는 중간지대(in-between space)의 존재이기를 자처하는 제시 천에게 있어 ‘탈언어화’란 작품 밖의 일상에서도 계속되는 투쟁일 것이다. 최근 세계로 번진 흑인 인권 운동이 방증하듯, 권력의 불균형과 체제의 모순은 오늘날의 사회에서도 끊임없이 발견되고 있다. 작품 속의 조각난 글자와 소리들은, 어쩌면 이처럼 고단한 세상을 살아가는 작가에게 있어 강강술래를 하며 내지르는 토로 같은 것이었을지도 모른다. 그리고 그의 토로는 마찬가지로 고단한 삶을 살아가는 우리에게 큰 울림을 준다. 제시 천의 다음 행보가 기대되는 것은 이 때문이다.
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Contributor장나윤은 동아시아의 동시대 시각예술에 나타나는 기억과 반기억(counter-memory)에 대해
연구하는 미술사가이다. 코톨드 인스티튜트 오브 아트(The Courtauld Institute of Art)에서
동아시아의 동시대 렌즈기반 예술에 나타나는 집단기억과 대안기억에 관한 연구로 미술사학박사학위를 받았다. 런던을 중심으로 활동해왔으며, 코톨드 인스티튜트 및 소더비 인스티튜트 등에서 다큐멘터리 사진과 아시아 미술을 강의했다. 현재 서강대학교 트랜스내셔널인문학연구소에 연구교수로 재직하고 있다.
Dr Nayun Jang, a research associate professor at the Critical Global Studies&#38;nbsp;Institute (CGSI), Sogang University, Seoul, is an art historian specialising in&#38;nbsp;contemporary lens-based art in East Asia. Her research centres on the&#38;nbsp;examination of how artists resist the selective formation of official memories and&#38;nbsp;create counter-hegemonic ones. At the same time, she is concerned with&#38;nbsp;investigating the pertinence of lens-based images in the construction and&#38;nbsp;representation of collective memory. Prior to joining CGSI, Nayun worked as an&#38;nbsp;associate lecturer at the Courtauld Institute of Art from 2018-2020.


* Updated on 31st Dec. 2021


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		<title>+    Voice of Sila</title>
				
		<link>https://greenroom.work/Voice-of-Sila</link>

		<pubDate>Tue, 05 Jan 2021 10:57:13 +0000</pubDate>

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이누이트는 자연의 강력한 힘을 실라라고 부른다. 이는 기후의 또 다른 이름이다. 온난화로 인한 기후 변화를 실라는 어떻게 느끼고 있을까? 실라의 변화는 우리에게 어떤 변화를 가져올까. 우리는 그 재난을 어떻게 준비해야 할까. 리서처이자 안무가인 서영란은 &#38;lt;실라의 목소리&#38;gt;에서 환경과 기후에 대한 우리의 무뎌진 감각을 다시 깨워내면서 아이들처럼 그의 소리를 다시 들어보자고 제안한다.&#38;nbsp;
Our planet is warming, it's a fact. And it's warming because of us, the human species. Yeong Ran Suh and Thore Ib Jurgensen interpret this theme by mixing science and an artist's creativity in this short film. They find that we can learn more about the future by looking into the past. Starring in the film is a young boy Odin, who will unknowingly grow up in this future.


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;Voice of Sila, 2020&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;
 &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;lt;실라의 목소리&#38;gt;, 2020  &#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp; 
Yeong-Ran Suh  서영란&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp; 
 

Yeong-Ran Suh, Voice of Sila, 2020 

&#38;nbsp; &#38;nbsp; KR/EN &#38;nbsp; &#38;nbsp; 
1. 미국 알래스카 주 서부 항구도시 노메의 나자그네크 샤먼


제 5차 덴마크 북극 탐험대 (1921-1924)는 북아메리카의 북극 지방을 횡단하였다. 이를 지휘한 탐험가 크누트 라스무센는 미국 알래스카 주 서부에 있는 항구도시 노메에서 나자그네크 샤먼을 만났다. 그리고 그에게 그가 자주 언급하고 있는 여러 힘들을 정말로 믿느냐고 라스무센 박사가 물었다.


"우리는 실라(Sila)라고 불리는 그 힘을 믿습니다. 그것은 어떤 말로도 설명할 수 없는 힘입니다. 그 힘은 우주와 날씨를 주관할 뿐만 아니라 지구상의 모든 생명을 관장하는 강력한 영입니다. 그가 하는 말은 너무 강하기 때문에 일상적인 언어로는 전달되지 않습니다. 
그것은 폭풍, 눈, 폭우, 거센 파도, 그리고 인간이 두려워하는 모든 힘을 통해서 옵니다. 또 그것은 햇빛, 고요한 바다, 혹은 아무것도 모르고 뛰노는 천진난만한 어린이의 입을 통해서 다가옵니다. 아이들은 아주 부드럽고 온화한, 여성에 가까운 목소리를 듣습니다. 그것은 아이들에게 신비스러운 방식으로 나타나지만, 아이들이 두려워하지 않게 조심스럽게 다가옵니다. 아이들은 오직 어떤 닥쳐질 위험에 대해 듣습니다. 그리고 아이들이 집으로 돌아왔을 때 그것을 아무럽지도 않게 언급합니다…
모든 것이 평화로울 때는, 실라는 인간에게 어떤 말도 하지 않습니다. 그는 그의 무한한 무 속으로 사라져버리고, 인간들이 생물을 남용하지 않고 그들의 양식을 존중하는 한, 그 곳에 가능한 오래 머뭅니다.
어느 누구도 실라는 본 적이 없습니다….” 


2. 실라의 목소리


너는 나를 어떻게 느끼고 있니?
내가 어떻게 모습을 드러내는 지 알고 있니?
나는 바람, 
나는 구름, 
나는 비,
나는 공기, 차가운 또는 따뜻한 공기.
나는 어떤 말로도 설명할 수 없는 존재.
나는 폭풍, 눈, 폭우, 거센 파도이자 
따스한 햇빛, 그리고 고요한 바다이기도 하지. 
누군가는 나를 어떤 강력한 힘이라고 하기도 하고
누군가는 나는 날씨, 기후라고 하기도 하지.
나는 바람을 불게 하고, 바닷물과 공기/대기를 따뜻하게, 차갑게, 위로, 아래로, 옆으로 움직이게 하지.
나는 모든 것의 시작과 함께했고 그 변화와 함께 할거야.

300만년 전으로, 빙하기 이전으로 돌아가는 지구의 모습이 궁금하다면 내가 기억하는 그 기억을 들려주지.
그때는 이 지구에 사람들이 살지 않았어. 빙하기의 주기가 시작되기 전이었어. 그때는 북극에 빙하가 별로 없었어. 너희가 그린란드라고 부르는 곳의 해안가를 따라 산 꼭대기에 얼음이 얼어있는 정도였지. 북극의 바다에는 거의 얼음이 없었고, 여름이 오면 얼음은 다 녹았어.
바다의 높이(해수면)는 지금보다 더 높았고, 땅을 더 넓게 덮고 있었어. 
지금 해안가에 있는 도시들과 낮은 땅들은 바다에 잠겨있었어. 
시베리아와 알래스카에는 툰드라 대신에 숲이 무성하게 있었어. 


그리고 더 이전, 4700만년 전에는 지구의 대기는 뜨거웠어. 그때는 지구 어디에도 얼음이 없었어. 빙하가 없는 남극과 북극과 함께 바다는 매우 달랐어. 차가운 바닷물을 만들어내는 북극의 깊은 심해는 차가운 물들을 만들어 내지 못했어. 
남극과 북극은 따뜻했고, 그렇기에 양극은 차가운 심해의 물을 만들어내지 않았어. 그때의 바다는 지금과 다른 순환을 했고, 다른 종류의 생명들 만이 살 수 있었지.
세계 2차 대전 이후부터 사람들은 아주 많은 이산화탄소를 공기 중에 내보내기 시작했어. 지금 지구의 공기가 간직하고 있는 이산화탄소의 양은 이미 3백만년 전에 지구의 대기가 가지고 있던 양과 같아.
나는 이에 반응하며 흔들리기 시작했어.
이산화탄소 양의 변화가 너무나 갑작스럽고 거대해서 나는 아직 그 변화를 따라잡지 못했지만, 점점 그 양에 맞는 지구와 날씨의 상태를 만들어가는 중이지.
다시 기후가 300만년 전과 같은 상태의 지구가 될 때까지 날씨는 종잡을 수 없게 될 거야.
그것은 세계 곳곳의 산불, 긴 장마, 홍수, 폭풍으로 나타나기도 했고,
북극의 빙하가 녹아 내리는 것부터 시작되었지.
이제 매 여름이 되면 북극은 3백만년전과 같이 얼음이 하나도 없는 상태가 될 거야. 북극의 강한 바람들이 약해지면서 따뜻한 공기가 북으로 향하고, 추운 공기가 남으로 향하고 있지.
북의 얼어있던 땅이 녹으면서, 해안가의 땅들과 그 땅 위에 세워져 있던 집들이 무너지게 될 거야.
오래 얼어있던 땅이 녹으면 그 안에 함께 얼어있던 미생물들이 나타나게 되고, 그것은 따뜻한 기후로 인해 더 활발해진 모기, 이 등을 통해 퍼지게 될 거야.
북을 향해 이국의 모기, 곤충, 새들이 날아오고, 남쪽에 살던 물고기들이 올라오고 있지.
빙하 가까이 살던 북극 동물들은 얼음이 녹으면서 살 곳을 잃게 되고, 그 동물들을 사냥하며 살던 사람들도 먹을 것과 일을 잃게 될 거야.
바닷물이 따뜻해지고 산성화면서 지금 바다 속에 사는 생물들은 살기가 어렵게 될 거야.
바닷물이 높아지면서 사람들은 땅이 높은 곳에 살기 위해 이동하게 될 것이고
다른 갈 곳이 없는 사람들은 물에 잠긴 집에서 살아야 하겠지.
누군가는 농사 지을 땅과 숲을 잃고,
누군가는 더 이상 깨끗한 물을 얻기가 어려워지고


누군가에게 이 모든 변화는 단순하게 날씨가 더 따뜻해지는 것뿐
어쩌면 사람들은 그렇게 변한 기후에 적응하며 살아갈지도 몰라.


나는 매일 아침, 사냥을 떠나기 전, 텐트에서 나와, 나의 모습을 확인하던 북극 지방의 여자아이들을 기억해. 그들에게 나는 내 계획을 미리 알려주곤 했지.
나를 느끼고, 나의 소리를 듣던 사람들.
유례없이 좋았던 날씨 덕분에 푸른 숲 가득히 주렁주렁 달린 열매들을 다 가지는 것을 두려워하던 사람들을 기억해. 그들은 그것을 마을 사람들과 나누고, 남은 것은 숲에 돌려주었지. 그들은 잘 알고 있었지. 한 곳의 풍성한 수확은 다른 곳의 가뭄을. 한 사람의 배부름은 다른 사람의 배고픔을 함께 하고 있다는 걸.


포근한 봄 바람이 불기 시작하던, 여름의 비가 찾아오던, 가을이 선선한 바람이 겨울을 알려오던 때를 기억할 수 있겠니?
언제 새들이 날아오고, 나비가 짝을 찾고, 벌들이 꽃을 향해 날아갔는지 기억할 수 있겠니? 
약속되어있었던 시간들이 바뀌고, 모든 생물들은 새로운 시간을 찾아야 할 거야.
너는 나를 느낄 수 있니? 나의 변화를 느낄 수 있니?
네가 밟고 있는 땅 아래 지렁이와 달팽이들이 가는 길을 따라가봐.
네가 살고 있는 곳의 풀과 나무의 모습이 어떤지 살펴봐줘.
네가 먹는 음식을 키워주는 사람들에게 이 변화를 어떻게 느끼냐고 물어봐.
이리 나와, 너의 주변을 보고, 듣고, 냄새 맡고, 만지면서. 그렇게 나에게 더 가까이 다가와봐. 
매일 아침 텐트에서 나와 나를 확인하던 소녀들처럼.


1. at Nome1, an old scalawag named Najagneq


The fifth Danish Thule Expedition (1921-1924) crossed arctic North America. The explorer Knut Rasmussen, who conducted this journey, met Shaman Nazagnek in Nome, a port city in western Alaska, USA. When Dr. Rasmussen asked him if he believed in any of all the powers he spoke of, he answered: 


“Yes, a power that we call Sila, one that cannot be explained in so many words. 


A strong spirit, the upholder of the universe, of the weather, 


in fact all life on earth- so mighty that his speech to man comes not through ordinary words, but through storms, snowfall, rain showers, the tempests of the sea, through all the forces that man fears, or through sunshine, calm seas or small, innocent, playing children who understand nothing. Children hear a soft and gentle voice, almost like that of a woman. It comes to them in a mysterious way, but so gently that they are not afraid; they only hear that some danger threatens. And the children mention it as it were casually when they come home, and it is then the business of the angakoq to take such measures as shall guard against the peril. 


When times are good, Sila has nothing to say to mankind. He has disappeared into his infinite nothingness and remains away as long as people do not abuse life but have respect for their daily food. No one has ever seen Sila. His place of sojourn is so mysterious that he is with us and infinitely far way at the same time.”2


2. Voice of Sila 


How do you feel about me?


Do you know how I can expose myself? 


I am the wind.


I am the clouds.


I am the rain.


I am the air, cold or warm air. 


I am a being that cannot be explained in any words. 


I am a storm, snow, heavy rain, heavy waves. 


I am also the warm sunlight and the calm sea. 


Some say I am a strong power. 


Some say I am the weather, the climate. 


I blow the wind and move the seawater and air warm, cold, up, down, and sideways. 


I was with the beginning of everything, and I will be with that change. If you are curious about Earth's appearance going back to 3 million years ago before the Ice Age, I'll tell you what I remember.


At that time, no people lived on Earth. It was before the Ice Age cycle began. Back then, there weren't many glaciers in the Arctic. There was ice on top of the mountain along the shoreline of what you call now Greenland. There was almost no ice in the Arctic sea. When summer came, the ice melted.


The sea level was higher than it is now.


The sea was covering the coastal cities and lower land on the continents.


Siberia and Alaska had lush forests instead of tundra.


And even before that, 47 million years ago, Earth's atmosphere was hot. At that time, there was no ice anywhere on the Earth. With an ice-free south and north pole, the seas were very different. The Arctic's deep oceans, which create cold waters, couldn’t create cold waters.


The ocean made a different circulation, and other types of lives could only live. 


Some say I am a strong power. 


Some say I am the weather, the climate. 


I blow the wind and move the seawater and air warm, cold, up, down, and sideways. 


I was with the beginning of everything, and I will be with that change. If you are curious about Earth's appearance going back to 3 million years ago before the Ice Age, I'll tell you what I remember.


At that time, no people lived on Earth. It was before the Ice Age cycle began. Back then, there weren't many glaciers in the Arctic. There was ice on top of the mountain along the shoreline of what you call now Greenland. There was almost no ice in the Arctic sea. When summer came, the ice melted.


The sea level was higher than it is now.


The sea was covering the coastal cities and lower land on the continents.


Siberia and Alaska had lush forests instead of tundra.


And even before that, 47 million years ago, Earth's atmosphere was hot. At that time, there was no ice anywhere on the Earth. With an ice-free south and north pole, the seas were very different. The Arctic's deep oceans, which create cold waters, couldn’t create cold waters.


The ocean made a different circulation, and other types of lives could only live. 


1. A city in Alaska, USA
2. Campbell, J. (1976), Primitive Mythology, Penguin Compass, pp. 53. / Rasmussen, Knud. (1927), Across Arctic America: Narrative of the Fifth Thule Expedition, Conversation between Knud Rasmussen and Najagneq, the Yupik shaman from Nunivak Island, in Nome Alaska in 1924.


Written by Yeong-Ran Suh


The difficult choice, Business as Usual or Decarbonized Utopia.


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp;Link&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;

&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; Thore Jürgensen
&#38;nbsp; &#38;nbsp; (Geophysics, University of Copenhagen)


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Still Image from Yeong-Ran Suh, Voice of Sila, 2020


Artist

서영란은 2011년부터 한국의 마을굿, 민속 춤과 의식 등을 리서치하며 공연을 만들어왔다. 2016년부터 코펜하겐 대학에서 아브라함의 3 종교 (기독교, 이슬람, 유대교)와 현대 사회에서의 종교분쟁을 공부하고, 말레이 무슬림의 모계 관습 법에 관해 석사 논문을 썼다. 앞으로 국가개념을 넘어서는 다문화적이고 다종교적인 이야기를 찾고 대화를 나눌 수 있기를 기대한다.


Since 2011, Yeong-Ran Suh has made performances researching Korean village shamanic ceremonies, folk dance, and rituals. She studied religion and religious conflicts in contemporary societies at the University of Copenhagen. She wrote a master thesis about the historical rendering of Malay Muslim's matriarchic custom (adat) in Sharia courts. For her, historical and anthropological research is a tool for capturing different worldview embodied in tradition. By doing so, it enlarges our fixed view and living possibilities. In the face of a climate crisis, her interest expanded to Indigenous ecological cosmology and knowledge and traditional agriculture. She is currently a member of the Becoming species - climate activist performance group in Copenhagen.


토르 이브 여갠슨은 기후와 빙하 연구자이자 암벽등반가이다. 그는 북극의 기후적 변화와 기후 온난화에 의한 해양과 대륙의 빙하의 변화에 대해 연구하고 있다. 기후 변화를 최소화할 수 있는 다양한 방안, 전통적 농경방식과 대안적 핵에너지 개발 등에 관심을 가지고 있다. 현재 코펜하겐의 인류 멸종 반란 가족들의 멤버로 활동하고 있다.


Thore Ib Jurgensen is a climate &#38;amp; ice researcher and climber. He researches on climatic changes in the arctic and the change of sea and land ice due to climate change. He has interests in various ways of minimalizing the climate change, such as traditional agriculture and nuclear energy. Currently he is a member of Extinction Rebellion Families in Copenhagen.


작가: 서영란
리서치 자문: 토르 이브 여갠슨
출연: 서영란, 오딘
기획, 제작: 김정현 (그린룸)
후원: 문화체육관광부, 한국문화예술위원회, 서울문화재단
감사한 분들: 비커밍 스피시스 콜렉티브, 오선영(7 ½ 프로젝트), 멸종 반란 가족들


Artist: Yeong-Ran Suh


Research Advisor: Thore Ib Jurgensen


Performer: Yeong-Ran Suh, Odin Suh


Curated and Commissioned by Kim Junghyun (greenroom)


Supported by Ministry of Culture, Sports and Tourism, Korean Arts Council, Seoul Foundation for Arts and Culture


Thanks to: Becoming Species Collective, Sun Young Oh(7 ½ project), Extinction Rebellion Families


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Updated on 31st Dec. 2020


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		<title>+    Second Planet</title>
				
		<link>https://greenroom.work/Second-Planet</link>

		<pubDate>Tue, 05 Jan 2021 11:24:38 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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세컨드 플래닛은 케이이치 미야가와, 히사오 소토다, 후미오 이와모토의 아티스트 유닛이다. 이들은 &#38;lt;재난이 비켜난 자리&#38;gt;에서 온라인과 오프라인에서 조우한 다양한 자료를 이용하여, 일어날 예정이었으나 실제로는 일어나지 않은 역사에 관해 이야기하는 방법을 모색하면서, 동시에 이러한 자료의 조합으로부터 다양한 역사를 상상해보려 시도한다.


Second Planet is an artist unit of Keiichi Miyagawa, Hisao Sotoda and Fumiwo Iwmaoto. In this work A Place without a Catastrophe, combining multiple sources found on- and off-lines, explore the forms of narratives to talk about a history that was supposed to happen but did not, and the arrangements of materials to open the door for various historical imaginations.


&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


Second Planet, A Place without a Catastrophe, 2020&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; カタストロフが訪れなかった場所, 2020&#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp; 세컨드 플래닛, &#38;lt;재난이 비켜난 자리&#38;gt;, 2020&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;
 

[Trailer] Timeline video

Full view: https://secondplanet.jp/0809


&#38;nbsp; &#38;nbsp; EN/JP/KR&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


"The winds of destiny seemed to favor certain Japanese cities that must remain nameless," wrote New York Times reporter William L. Laurence, who accompanied the atomic bomb mission as a passenger on one of the B-29s. A Place without a Catastrophe is an attempt to talk about a nameless city, Kokura, the second target-city of the atomic bomb after Hiroshima. On August 9, 1945, B29 Box Car that took off from Tinian Island first headed for Kokura. After arriving at Kokura at 9:44 AM, Box Car circled over Kokura for 48 minutes to identify its target point but could not due to the cloud. Finally, at 10:32 AM, Box Car changed its target and headed for Nagasaki, the closest alternative target-city. Combining multiple sources found on- and off-lines,&#38;nbsp;A Place without a Catastrophe explore the forms of narratives to talk about a history that was supposed to happen but did not, and the arrangements of materials to open the door for various historical imaginations. 


This work was originally released on various SNS platforms through which signed-up audiences received timeline messages between August 8 and 9, 2019. The work was supplemented with lecture-performance and exhibition on August 10. This is a website version of the project that seeks to deliver how found-online-objects can be arranged to form a new narrative.&#38;nbsp; 


「運命の風が吹き、この街を名も無きままにとどめるであろう。」その日原爆投下作戦のメンバーの一員としてB29に乗り合わせたニューヨーク·タイムズのジャーナリスト、ウィリアム·L・ローレンスは、そう書き記した。《カタストロフが訪れなかった場所》は、原爆投下の第二目標都市であった名も無き都市・小倉について語る試みである。1945年8月9日、テニアン島を飛び立ったB29ボックスカーが向かったのは小倉だった。9:44AMに小倉上空に到着したボックス・カーは、投下目標地点を目視するチャンスを待ちながら、48分にわたり小倉上空を旋回するも厚い雲に阻まれ断念。10:32AMに小倉から最も近い目標都市・長崎に向かった。この作品は、オンライン/オフライン上で遭遇した数々の資料を用い、起こるはずだったのにもかかわらず実際には起こらなかった歴史について語る方法を探ると共に、これら資料の組み合わせから多様な歴史を想像する試みである。


本作品は当初SNS上で発表され、登録者に対し2019年8月8日〜9日にかけてB29の動きを示すタイムライン情報が送られた。作品の補足として翌8月10日にレクチャー・パフォーマンスと展示が行われた。今回発表するのは同作品のウェブサイト版となる。


“운명의 바람이 불어 이 도시를 이름없는 상태로 멈춰 세울 것이다.” 그날, 원폭 투하 작전의 일원으로서 B29에 합승했던 뉴욕 타임즈 기자 윌리엄 L 로렌스는 이렇게 적었다. &#38;lt;재난이 비켜난 자리&#38;gt;는 원폭 투하 제 2 목적지였던 이름없는 도시 고쿠라에 관해 이야기한다. 1945년 8월 9일, 미국령 북 마리아나 제도의 티니안 섬에서 날아오른 B29 폭격기가 향한 곳은 고쿠라였다. AM 9:44 고쿠라 상공에 도착한 폭격기는 투하 목표 지점을 바라보며 기회를 찾아 48분 동안 선회했지만 구름이 자욱해서 포기. AM 10:32 고쿠라에서 가장 가까운 목표 도시 나가사키로 향했다. &#38;lt;재난이 비켜난 자리&#38;gt;는 온라인과 오프라인에서 조우한 다양한 자료를 이용하여 일어날 예정이었으나 실제로는 일어나지 않은 역사에 관해 이야기하는 방법을 모색하면서 동시에 이러한 자료의 조합으로부터 다양한 역사를 상상해보려 시도한다. 이 작품은 먼저 SNS를 통해 2019년 8월 8일부터 9일에 걸쳐 B29의 움직임을 나타내는 타임라인 정보로서 전송되었다. 이를 보충하여 2019년 8월 10일 렉처 퍼포먼스와 전시를 열었으며, 2020년 12월 31일 웹사이트 버전을 오픈했다.


&#60;img width="1536" height="1152" width_o="1536" height_o="1152" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/4003c13ee857371cce5fa22e8770d39e042166b088013ea76cadd50ef6402bbb/afterperformance1.jpg" data-mid="93994392" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/4003c13ee857371cce5fa22e8770d39e042166b088013ea76cadd50ef6402bbb/afterperformance1.jpg" /&#62;


&#60;img width="3264" height="2448" width_o="3264" height_o="2448" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/08fb95fabcf8ea4bf82aca7beeee72422dc3a5cc08a62851bec17cfc368ace6e/afterperformance4.jpg" data-mid="93994412" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/08fb95fabcf8ea4bf82aca7beeee72422dc3a5cc08a62851bec17cfc368ace6e/afterperformance4.jpg" /&#62;


&#60;img width="1536" height="1152" width_o="1536" height_o="1152" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/57599de0aa8f2d3c74688cdd5b5a532b25e50130c56d276bf7c12624a4c4b263/display3.jpg" data-mid="93994424" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/57599de0aa8f2d3c74688cdd5b5a532b25e50130c56d276bf7c12624a4c4b263/display3.jpg" /&#62;


Artist

Second Planet is an artist unit founded in 1994 in Kitakyushu, Japan by Keiichi Miyagawa and Hisao Sotoda. Fumiwo Iwmaoto joined the unit in 2019. Second Planet has conducted projects that emerge the invisible socio-economic system embedded in the urban space and that humorously confuse the existing framework of an art institution and/or art history. Their recent works use the miscellaneous materials found online and connect them in so-called zapping method to depict multiple layers of historical discourses. Many of their projects were done in collaboration with other researchers and artists. Second Planet's work has appeared in the numerous exhibitions including that of Kitakyushu Municipal Museum of Art, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, and Tokyo Photographic Art Museum, as well as other museums, research institutions, and galleries. They have participated in the 2012 Daegu Photo Biennale as well. The unit has also conducted various collaborative projects in China, Korea, Thailand, Germany, Austria, Spain, Australia, and other countries.

http://g-soap.jp/sp/


Second Planetは1994年に北九州で結成された、宮川敬一と外田久雄によるアーティスト・ユニット。岩本史緒が2019年に加わった。これまで、都市に埋め込まれた不可視の社会的·経済的仕組みを浮き彫りにするようなプロジェクトや既存の美術や美術史の枠組みをユーモアをもって撹乱するような試みを行なってきた。近年はオンライン上のファウンド·オブジェクトをザッピングするかのような手法で本質的に複層的な歴史の語り方を模索する作品を手がける。Second Planetの作品はこれまで北九州市立美術館、金沢21世紀美術館、東京写真美術館などで展示されている。2012年には大邱写真ビエンナーレにも参加。また中国、韓国、タイ、ドイツ、オーストリア、スペイン、オーストラリアなどでアーティストや研究者との共同プロジェクトに携わっている。


세컨드 플래닛은 1994년 케이이치 미야가와와 히사오 소토다가 기타규슈에서 결성한 아티스트 유닛으로 2019년 후미오 이와모토가 합류했다. 도시에 숨겨진 사회적, 경제적 구조를 드러내는 프로젝트와 기성 미술과 미술사의 틀을 유머러스하게 교란하는 시도를 해왔다. 최근에는 온라인 상의 파운드 오브제를 재핑(zapping)하는 것과 같은 방식으로 본질적이고 복층적인 역사의 이야기 방법을 모색하는 작품을 다룬다. 세컨드 플래닛의 작품은 기타규슈시립미술관, 가나자와21세기미술관, 도쿄사진미술관 등에 전시되었다. 2012년 대구사진비엔날레에 참가했고, 중국, 한국, 태국, 독일, 오스트리아, 스페인, 호주 등에서 예술가 및 연구자들과 함께 프로젝트를 진행했다.


Credit
Artist: Second Planet (Hisao Sotoda, Keiichi Miyagawa, Fumiwo Iwamoto)Web design: Tanaka Keiji (Calamari Inc.)Curated and Commissioned by Kim Junghyun (greenroom)Supported by Ministry of Culture, Sports and Tourism, Korean Arts Council, Seoul Foundation for Arts and Culture

작가: 세컨드 플래닛 (히사오 소토다, 케이이치 미야가와, 후미오 이와모토)웹 디자인: 다나카 케이지 (Calamari Inc.)기획, 제작: 김정현 (그린룸)후원: 문화체육관광부, 한국문화예술위원회, 서울문화재단


* 


Updated on 31st Dec. 2020


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	</item>
		
		
	<item>
		<title>+    Shifting Memory into Clay      </title>
				
		<link>https://greenroom.work/Shifting-Memory-into-Clay</link>

		<pubDate>Mon, 27 Jan 2020 06:42:18 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp; Shifting Memory into Clay&#38;nbsp;기억의 전환 &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;Nayoung Jeong&#38;nbsp;정나영&#38;nbsp; &#38;nbsp;&#38;nbsp;&#38;nbsp;


 &#38;nbsp;&#38;nbsp; KR/EN &#38;nbsp; &#38;nbsp;

&#38;lt;기억의 전환&#38;gt;은 영국에서 살아가는, 특히 강요된 이주의 경험을 가진 2세대 이주민들의 기억에 관한 작업이다. 이들의 이주는 대부분 부모의 결정으로 이루어졌으며, 더 나은 교육과 삶의 질을 위해 이주한 경우부터 목숨을 걸고 북한 국경을 넘어 수년에 걸쳐 영국에 도달한 경우까지 그들의 – 혹은 그들의 부모가 그들에게 설명하였을 – 이주의 목적과 과정은 다양하다. 본 퍼포먼스는 관객의 앞이 아닌 작은 방에서 카메라 몇 대를 놓고 진행되었다. 붉은 점토 덩이들이 놓인 작은 책상을 사이에 두고 작가와 참여자가 마주 앉고, 참여자는 준비된 질문들에 답을 한다. 이때 화면 밖에 앉아있는 질문자가 준비된 질문지를 읽어 내려가게 되는데, 작가는 질문자와 참여자 사이의 대화에 일체 개입하지 않는다. 참여자는 대화를 이어가며 순간순간 떠오르는 기억의 잔상들을 점토로 형상화하며, 작가는 참여자가 만든 형상들을 흉내내어 비슷한 모양의 점토 형상들을 만든다. 이 작업은 언어화된 기억 이면의 감정과 잔상들이 점토로 ‘전환’될 수 있다는 작가의 믿음에서 출발한다. 또한 마주앉아 흙으로 기억의 모양을 만들고, 그것을 작가가 흉내내는 일련의 과정을 통해 나의 기억이 타인의 기억으로 다시금 ‘전환’되는 과정 또한 실험해보려는 것이다. 참여자에게 주어진 질문들은 다음과 같다.


당신은 여기에서 얼마나 오랫동안 살았습니까?


당신의 나라는 어디입니까?


당신의 고향은 어디입니까?


당신의 고향에 대해서 이야기 해주실 수 있습니까?


당신은 언제 처음 영국에 왔습니까?


처음 영국에 도착했을 때의 느낌은 어땠습니까?


당신이 생각하는 안전한 장소는 어디입니까?


집에 대한 기억을 공유해 주시겠습니까?


새로운 장소에서 살게 되면서 불편했던 점은 무엇입니까?


당신은 이방인이라는 단어를 어떻게 생각하십니까?


그런 감정을 느낀 적이 있다면 얘기해 주실 수 있습니까?


Shifting Memory into Clay is a performance work that explores memories of the second-generation immigrants living in the UK. As second-generations, a decision to move to a new country and settle down there was not their own choice but their parents’. Purposes and processes of their displacement vary, as some of their parents decided to move to the UK for the better quality of life or education; others defected North Korea and took a route to third – or many more – countries such as China until they reached the UK. In this performance, each participant is asked to answer the questions related to their memory of displacement while shaping clay that is laid on the table in front of them. The questions are asked by another person who is sitting outside the camera’s angle, and the artist does not join the conversation but keeps imitating the shapes of clay that the participant creates. By creating replicas of the shaped clay, which embodies the participant's memory that is not represented by language, the artist aims to experiment the possibility of shifting and sharing memories of displacement. The questions asked to the participants are as follow:


How long have you lived here? 


Where is your country? 


Where is your hometown?


Can you tell me a bit more about your hometown?


When did you first arrive in the UK?


How did you feel when you first arrived in this country?


Where do you think is the safest place for you?


Can you share your memory of home?


What made you most uncomfortable after you moved to a new country? 


What do you think about the word ‘stranger’?


If you have ever felt that you were a stranger, can you tell me about that experience? 


Artist

정나영은 점토와 몸을 소재로 사적 감정과 사회적 정체성에 대해 이야기하는 작가이다. 미국 캘리포니아 컬리지 오브 아트와 로드 아일랜드 스쿨 오브 디자인에서 각각 학부와 석사 과정을 마친 후 런던으로 이주하여 최근 유니버시티 컬리지 런던 소속의 슬레이드 스쿨 오브 아트에서 순수 예술로 박사 학위를 마쳤다. 런던을 중심으로 활동하며, 상테부르크 시립 박물관, 뉴욕 한국문화원 등 세계 각지에서 개인전을 가졌다. 현재 도자 및 퍼포먼스 관련 국제 레지던시에 활발하게 참여하며 강의 및 작품 활동을 이어가고 있다.
Nayoung Jeong is an artist who explores personal feelings and social identity that evolve around her experience of cultural displacement. Using clay and her own body, her work has steadily evolved over the past decade from a human-scale installation to a performance that invites broader audience participation. Having studied in California College of Arts (BFA) and Rhode Island School of Design (MFA), she recently completed her PhD in Fine Art at Slade School of Fine Art, University College London. She has participated in many artist residency programmes globally and included in numerous exhibitions worldwide. Her recent exhibitions include Memories of a New Home at State Museum And Exhibition Centre Rosizo, Saint-Petersburg and A Dance of Scale at Assembly Point, London.


https://www.nayoungjeong.com/


https://www.instagram.com/nayoungjeong/


Credit


Shifting Memory into Clay, 2019


Artist: Nayoung Jeong


Video: Kyung Jo Min, Shinhoo Yhi


Voice: Nayun Jang, Gee Sun Hahn, participants


Curated and produced by greenroom (Nayun Jang)


Funded by Seoul Foundation for Arts and Culture


* Updated on 1st Feb. 2020


</description>
		
	</item>
		
		
	<item>
		<title>+    Sayadaw and I </title>
				
		<link>https://greenroom.work/Sayadaw-and-I</link>

		<pubDate>Sat, 01 Feb 2020 10:33:49 +0000</pubDate>

		<dc:creator>greenroom.work</dc:creator>

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		<description>
	
수도생활의 경험을 바탕으로 이민경은 &#38;lt;사야도와 나&#38;gt;(2019, 영상)에서 수도자의 일상과 깨달음의 경험을 포개고 선문답과 구전동화를 중첩시킨다. &#38;lt;사야도와 나&#38;gt;는 버마의 남자 스님을 일컫는 사야도를 중심인물로 그의 일상을 그리며 수도의 세계에서 말하는 깨달음의 은유적 표현인 ‘깨어남’에 대해서 잠에서 깨어날 때의 신체감각 및 의식에서 일어나는 비/일상적인 경험과 연결하여 접근한 작업이다. &#38;lt;사야도 이야기&#38;gt;의 글과 삽화는 영상을 보조하는 평형선상의 작업이다. 
In Sayadaw and I (2019; video), Min Kyoung Lee, drawing from her experience, depicts the daily life and insight of a meditator, overlapping a Zen riddle and old fable. Sayadaw is the title used for Buddhist monks in Burma. This work draws the ordinary part of Sayadaw’s life, while exploring the ‘awakening’ - the expression used in spiritual practice for enlightenment - with un/ordinary waking experiences in physical sensation and consciousness. The Sayadaw Story, Folklore version is a complementing work to the video. (Updated on 1st Feb. 2020)


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The Sayadaw Story - Folklore version&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;

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사야도 이야기 - 구전동화편&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;
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 Min Kyoung Lee&#38;nbsp;이민경 &#38;nbsp;&#38;nbsp; &#38;nbsp;
&#60;img width="3088" height="2284" width_o="3088" height_o="2284" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/563c7cc48a7d2acb2206a44d7c407956a4056349d2b093736caa985e59188890/--.JPG" data-mid="59979642" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/563c7cc48a7d2acb2206a44d7c407956a4056349d2b093736caa985e59188890/--.JPG" /&#62;&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp; KR/EN&#38;nbsp; &#38;nbsp; &#38;nbsp;


우리가 사야도를 만난 것은 오래전 일이다. 그를 보지 못한지 역시 오래되었다. 사귄 시간은 짧았지만 사야도로부터 전해들은 이야기는 여전히 우리의 이야기 속에 회자되고 있다. 


사야도는 하루도 빠지지 않고 매일 아침 잠에서 깨었다고 한다. 어느 날 문득 사야도에게는 한번 깨면 더 이상 안 깨는 방법이 없을까 하는 질문이 생겼다. 그는 여행을 떠났다. 산을 넘고 물을 건넜다. 


그는 어느 마을에 도착하였다. 잠을 자지 않는 사람들이 살고 있는 마을이었다. 처음 본 노년의 남자가 물었다. 


“당신은 여기 왜 왔소?”


“더 이상 잠에서 깨지 않아도 되는 법을 배우려 왔습니다.”


“왜, 깨는 게 싫은가?”


“꼭 그런 건 아닙니다. 하지만 한번 깨고, 더 이상 반복해서 깨지 않아도 되면 좋겠습니다. 한평생 내내 안 깨어본 날이 없으니까요.”


“깨지 않게 되려면 자지도 않아야 되는 데 괜찮겠는가?”


그건 사야도가 생각해본 적이 없는 질문이었다. 잠시 생각한 후 사야도는 이렇게 물었다. 


“자지 않으면 어떻게 됩니까?”


“일단 마을로 들어와보게나.”


노인은 이렇게 말하고 앞서 길을 걸었다. 사야도는 그 뒤를 따랐다. 어느 바위 틈에 동굴 입구가 나왔고 노인과 사야도는 그 동굴 속으로 들어갔다. 처음에는 깜깜했으나 곧 익숙해지고 사야도는 동굴 속에서 원을 그리고 앉아있는 한 무리의 사람들을 볼 수 있었다. 자신들이 어떻게 자지도 깨지도 않게 되었는지의 경위를 한 사람씩 이야기해주었다. 


깊은 눈매의 한 중년의 여자가 먼저 말을 꺼냈다. 


“깨기를 멈추려면 먼저 잠에 잘 들어야 합니다. 잠에 잘못 들면 깰 수 밖에 없기 때문이죠. 제대로 된 잠에 들려면 깬 채로 잠에 들어야 합니다.”


젊은 남자 하나가 말을 덧붙였다. 


“이미 깨어있는 상태이기 때문에 또 깰 일이 없는 것이죠. 또한, 잠에도 이미 들었기 때문에 다시 잠들 일도 없습니다. 그래서 자지도 깨지도 않게 된다는 것이죠.” 


동굴 속에 모여있는 다른 사람들도 자신의 일화를 각각 사야도에게 들려주었다. 모든 사람의 이야기가 끝난 후 처음에 만났던 노인을 따라 사야도는 다시 동굴 밖으로 나왔다. 사야도를 마을 입구까지 데려다 주고는 노인은 인사를 했다. 


“조심히 돌아가구려. 당신도 언제 깨지 않게 될지 누가 알겠소.”


물은 건너고 산을 넘어 사야도는 고향으로 돌아왔다. 


평소처럼 자고 깨기를 반복하던 중, 어느 새벽 사야도는 이상한 경험을 하였다. 잠에서 깨어 이런 저런 생각을 하다가 의식이 어딘가 낯선 곳으로 쑥 들어가버린 것이다. 깨어있으나 일체의 생각과 감정이 일지 않는 멈춤의 상태, 움직임이라고는 전혀 없는 정지의 상태. 깊고 깊은 잠, 우주에 있는 것과도 같았다. 일상의 의식으로 돌아온 것은 얼마나 지난 후였는지 그는 정확히 말할 수 없었다. 일상적 의식으로 돌아온 후에야 사야도는 반추를 통해 의식이 깬 채로 멈추었다는 것을 인식하였다. 자지도 깨지도 않는 사람들이 들려준 이야기들이 떠올랐다. 그는 이 낯선 세계에 대한 이정표와 지도가 필요했다. 


사야도는 그 자지도 깨지도 않는다는 사람들의 마을로 돌아갔고, 그 날 이후로 우리는 사야도를 보지 못했다. 그저 그에게 온 편지로 이야기를 전해들었을 뿐이다.


다음은 사야도가 깨지 않는 자들의 마을에서 보내온 편지의 내용이다: 


자네는 내 말을 믿지 않을 지도 모르네, 안 믿고도 남지!


하지만 믿어주게나, 이것이야말로 정말로 내 눈과 귀로 똑똑히 보고 들은 사실들이라네. 내가 쫒아다녀 보았다네. 수년간, 한밤중이건 한낮이건 느닷없이 들이닥쳐도 이 사람들이 잠을 자는 것은 정말로 본 적이 없어. 이 사람들이 자지도 깨지도 않는 사람들이라는 것만은 의심할 수 없는 사실이라네. 어떻게 그렇게 되었는지 이 사람들이 마을 회의에서 간증을 한다네. 깨기를 멈출 때에야 잠도 끝나고 잠이 끝나면 죽음도 끝난다는 거야. 믿을 수가 없지? 나도 믿을 수가 없다고 생각했네. 그래도 나는 열심히 시도를 해보았네. 오랫동안 그들처럼 깨지 않는 자가 될 수 없었다네. 매일 밤 나는 잠에 들고 매일 아침 여전히 잠에서 깨었다네. 어느 날 밤, 나는 날이 새면 짐을 싸고 그 마을을 떠나기로 작정했다네. 시도하던 모든 걸 다 포기하고 매일 자고 매일 깨는 일상으로 다시 돌아가기로 한 거지, 세상 모든 사람들과 같이. 그날 밤, 나는 내 생애 마지막으로 낯선 잠에 들었고 다음날 새벽 낯설게 깨었다네. 그 이후로는 다시 깨어본 적이 없네.


2020년, 이민경 전함


It has been a long time since we first met Sayadaw. And it is also a long time since we have not seen him. The time we’ve known him was brief, while the story we heard from Sayadaw is still circulating among us. 


It is said that Sayadaw woke up from sleep each morning every single day. One day, Sayadaw suddenly had the question if there would be a way to wake up once and never again. He left to travel. He crossed mountains and waters. 


He arrived at a village. It was a village where people didn’t sleep. An unknown man in his old age asked him. 


“What brought you here?”


“I came to learn how to stop waking up from sleep.”


“Why, you don’t like waking up?”


“Not necessarily. But I’d prefer to wake up once and not over and over repeatedly. There wasn’t a single day where I have not woken up in my life.”


“To stop waking up, you also have to stop sleeping. Would you like that too?”


That question never occurred to Sayadaw. After a moment of thought, Sayadaw asked. 


“What happens when you don’t sleep?”


“Why don’t you first come inside the village?”


The old man walked ahead of him. Sayadow followed. There appeared an entrance to a cave between rocks, the old man and Sayadaw went inside the cave. It was dark at first but soon Sayadaw got acquainted and could see a circle of people sitting in the cave. They spoke one by one the account of how they had become to neither sleep nor wake up. 


A middle-aged woman with deep eyes started speaking.


“If you want to stop waking up, you have to get into the sleep well. Because if you don’t get into sleep properly, you are bound to wake up. In order to get into the right sleep, you have to fall asleep while awake.”


A young man added. 


“It is because you are already awake, you won’t wake up again. Also because you are already asleep, you won’t fall asleep again. Therefore neither sleeping nor waking up.”


The other people inside the cave told Sayadaw each of their own stories. When everyone had finished sharing, Sayadaw came out of the cave following the old man. After walking Sayadaw to the entry of the village, the old man bid the farewell. 


“Safe journey home! You never know when you too might stop waking up!”


After crossing waters and mountains, Sayadaw returned home.


Repeating the usual cycle of sleeping and waking, one early morning Sayadaw had a strange experience. Upon waking his mind suddenly entered an unusual place: a standstill of any thoughts or feelings, a state of suspension with absolutely no movement. As if in a deep sleep, or in the outer space. He couldn’t say exactly how long he stayed in that state before returning to the normal state of consciousness. Only after he had come back, Sayadaw realised that his mind had been motionless while conscious. He remembered what the neigher sleeping nor waking people had told him. He needed signposts and maps to this unknown world. 


Sayadaw went back to the village of neither sleeping nor waking people, and we did not see him since. We only heard him through his letters.


The following is from the letter that Sayadaw sent from the village of not waking people:


You may not believe me. Indeed, it is quite unbelievable!


But please believe me, they are the facts that I have truly witnessed with my own eyes and ears. 


I’ve followed them. For several years, whether in the middle of the night or in the middle of the day, I could not catch them sleeping. That these people do not sleep nor wake up is a doubtless fact. And they speak about how they became like that in their village council. They say when you stop waking up, you stop sleeping and when you stop sleeping, the death stops too. Isn’t this unbelievable? I, too, thought it was unbelievable. Yet I practiced hard. For a long time, I could not not waking, like them. Every night I fell asleep and every morning I woke up, as before. One night, I decided to pack my bag and take off from the village the next morning. To give up everything that I was trying and to return to the ordinary life of going to sleep every night and waking up every morning, just like everybody else in the world. That night, I went to a strange sleep for the last time in my life and strangely woke up the next morning. And that was the last time I woke up. &#38;nbsp;


told by Min Kyoung Lee, 2019


* drawing by the artist


Artist


이민경은 동양철학과 현대무용을 전공하고 뉴질랜드와 유럽, 한국에서 무용과 퍼포먼스 작업을 해왔다. 이념이 동반하는 심리적이자 신체적 상태에 대해 관심을 가지고 작업해왔으며, 실시간 실험을 극 속으로 편입시키거나 관객이 실질적 공연의 주체가 되는 퍼포먼스 게임 등의 고안을 통해 극장이라는 장치와 재연을 넘어선 공연 형식의 가능성에 대한 다양한 실험을 시도한다. 2014년 이후 한국에서 ‘봄의 제전 (2013)’ (Joao Martins 공동, 국립현대무용단, 2014/2016), ‘평화 가라오케’ (2015, 페스티벌 봄), ‘피리부는 사람들’ (국립현대미술관 창동레지던시, 2019) 등의 공연을 창작하며 활동 중이다. &#38;nbsp;


Min Kyoung Lee majored in Chinese Philosophy and Contemporary Dance and worked as choreographer and performance maker in New Zealand, Europe and Korea. Min has been particularly interested in the psychological and physical states of conviction associated with ideologies. She explores the apparatus of theatre and experiments with alternative performance formats, including real-time experiments inside fiction or performance-games where the audience members become the actual performers. Since 2014, Min presented in Korea, The Rite of Spring (2013) (in collaboration with Joao Martins, Korea National Contemporary Dance Company), Peace Karaoke (2015, Festival Bom), Pied Piers (MMCA Residency Changdong, 2019) and is currently based in Seoul.


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Credit

Sayadaw and I, 2019


Concept/Direction: Min Kyoung Lee


Actors: Woo Jin Lee, Daeheung Kim 


Produced by greenroom (Junghyun Kim)


Support/Funded by MMCA Residency Changdong, Seoul Foundation for Arts and Culture


* Updated on 1st Feb. 2020


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